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FIN DE SEMANA


AHORA ESTOY MÁS OCUPADA, ASÍ QUE SÓLO VOY A ESCRIBIR DOS POSTS POR SEMANA. NO HAY MÁS REMEDIO QUE IR AMOLDÁNDOSE A LOS CAMBIOS. OS DEJO LOS ENLACES DE CINE QUE OS PUEDEN IR BIEN Y HOY HABLARÉ DE LA ACTRIZ ANGELA LANSBURY, QUE HA RECIBIDO EL TÍTULO DE DAMA DEL IMPERIO BRITÁNICO.

http://www.filmaffinity.com/es/main.html

http://www.guiadelocio.com/

http://enbarcelona.com/cine?gclid=CLCen_W8o74CFckJwwodHpgABw

UN MERECIDO RECONOCIMIENTO PARA ANGELA LANSBURY

Angela-Lansbury-Dama del Imperio

La actriz Angela Lansbury, de 88 años, ha recibido esta semana el título de Dama del Imperio Británico de la reina Isabel II, en reconocimiento por su larga carrera artística y su apoyo a organizaciones con fines benéficos. La ceremonia tuvo lugar en el castillo de Windsor, a las afueras de Londres. La actriz comentó emocionada que estaba “muy orgullosa” de que su país de origen la reconociera de esta manera y también por haber estado con Isabel II, quien el próximo lunes cumple también 88 años.

Lansbury emigró a Estados Unidos con su familia durante la II Guerra Mundial. Conocida por la serie “Murder, she wrote” (“Se ha escrito un crimen”) fue una cotizada intérprete de los años dorados de Hollywood, a quién llamaban “La novia de América” y que fue candidata al Óscar en tres ocasiones y al Premio Emmy en dieciocho, ganando seis premios Globo de Oro y cinco Tony de teatro.

Después de cuarenta años, la legendaria actriz ha vuelto al West End de Londres, en el teatro Gielgud, donde representa “Un espíritu burlón” (Blithe Spirit), de Noël Coward.

BIOGRAFÍA

Angela-Lansbury

Nacida en Londres el 16 de octubre de 1925 con el nombre de Angela Brigid Lansbury, es una de las grandes actrices y cantantes inglesas, que también reinó en el Hollywood dorado. Candidata al Oscar en tres ocasiones y al Premio Emmy en dieciocho, ha ganado seis premios Globo de Oro, cinco Tony y ha sido, junto a Julie Harris, la única en haber sido tantas veces galardonada con el máximo premio del teatro de Broadway.

Orígenes

Nieta del candidato a Primer Ministro Laborista George Lansbury e hija de la actriz irlandesa Moyna MacGill (1895-1975), que le inculcó el amor por el teatro, estudió drama en la Webber Douglas Academy of Dramatic Arts. Su padre murió cuando tenía nueve años. En 1939 durante el banquete de bodas de su hermanastra Isolde Denham (hija del actor Reginald Denham) con el actor Peter Ustinov, Moyna tramitó la posibilidad de abandonar el Reino Unido por debido al inicio de la Segunda Guerra Mundial, a bordo del último buque que atravesó el Atlántico. En 1941, Moyna, Angela y sus dos hermanos mellizos (Bruce y Edgar, nacidos en 1930) se instalaron en Estados Unidos. Cuando la actriz rodó La bruja novata (donde se hacía cargo de tres niños evacuados de los bombarderos de Londres) le trajo recuerdos de su infancia.

Primeros años

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Una altiva criada en Luz que agoniza (Una de mis películas favoritas)

Vivieron primero en Nueva York y empezó a trabajar con 16 años en Canadá, actuando en el music hall. Más tarde marcharían a Los Ángeles donde tanto ella como su madre trabajaron como cajeras y dependientas. Al mismo tiempo empezó con papeles de reparto en películas de éxito que pronto le darían fama. En National Velvet (1944) encarnó a la hermana de Elizabeth Taylor. En Luz que agoniza (George Cukor 1944) interpretó a la insolente criada de Ingrid Bergman, papel que le valió su primera candidatura a los Oscar. Al año siguiente se pondría en la piel de una joven actriz que se suicidaba tras abandonarla su novio en El retrato de Dorian Gray, basada en la novela homónima de Oscar Wilde, donde trabajó también su madre.

Ese mismo año se casó con Richard Cromwell, de quien se divorciaría un año después. En 1949 contraería segundas nupcias con el productor Peter Shaw (1918-2003).

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Radiante de felicidad en el día de su boda con Peter Shaw

Bajo contrato con la Metro Goldwyn Mayer, rodó El estado de la Unión (en la que encarnó a una mujer amargada por el recuerdo de su padre difunto), Sansón y Dalila (Cecil B. DeMille, 1949), donde interpretó a Semadar, la hermana mayor de Dalila; y Los tres mosqueteros (George Sidney, 1948), donde apareció ataviada como Ana de Austria.
En 1950 obtuvo la nacionalidad estadounidense.

Cine y consagración en Broadway

Tras el nacimiento de su hijo Anthony Pullen Shaw en 1952 decidió alejarse del cine e intervino sólo en tres películas: El bufón del rey (1955) con Danny Kaye, Basil Rathbone y Glynis Johns, Mamá nos complica la vida (Vincente Minnelli, 1957), y El largo y cálido verano, donde interpretó a la amante alcohólica de Orson Welles. En esta década también nace su hija Deirdre Angela Shaw.

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Con sus hijos, Anthony y Deirdre

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Con Orson Welles en Un largo y cálido verano

En 1962 regresó por todo lo alto con El mensajero del miedo (John Frankenheimer). Su papel de madre posesiva, ferviente anticomunista, casi le proporciona un Oscar a la mejor actriz de reparto que se llevó Patty Duke.

Con la popularidad cinematográfica recuperada, Angela Lansbury volvió al teatro donde protagonizó el mayor éxito de Broadway de las temporadas 1966-1969: el musical Mame que la consagra como estrella absoluta y por el que gana el Premio Tony como la mejor actriz en un musical mientras espacia sus intervenciones cinematográficas, como en la película La historia más grande jamás contada (1965). Dear World, un musical basado en la pieza teatral La Loca de Chaillot de Jean Giraudoux no obtuvo el mismo éxito, pero Lansbury recibió excelente críticas y finalmente un Premio Tony a mejor actriz del año por su interpretación de la Condesa Aurelia.

Premio

En 1971 se estrena La bruja novata (Robert Stevenson), cinta de la Disney en la que Lansbury interpretó a la Señorita Price, una solterona que emplea sus conocimientos de brujería para combatir ―con la ayuda de unos niños huérfanos que acoge en su casa― a las tropas nazis que asuelan Reino Unido. Con este trabajo fue candidata a los Globos de Oro.

La bruja novata

Fotograma de La bruja novata

En 1973 regresa al musical con Gypsy, estrenado primero en Londres con gran éxito y luego en Broadway. Consigue su tercer Premio Tony como mejor actriz del año en Broadway.

Muerte en el Nilo, el inicio de un cambio de rumbo hacia un personaje determinante

Muerte en el Nilo 2

En 1978 encarna a Salomé Otterbourne en Muerte en el Nilo (John Guillermin), protagonizada por su ex cuñado Peter Ustinov, David Niven y un gran elenco de estrellas. Su papel de escritora de novelas eróticas alcoholizada y que tenía que afrontar una posible demanda de difamación le llevó a las puertas de los Premios BAFTA. National Board of Review la proclamó la mejor actriz de reparto del año. Los productores de Muerte en el Nilo, John Brabourne y Richard Goodwin, estaban tan satisfechos con su trabajo que le ofrecieron la posibilidad de interpretar a Mrs. Marple en El espejo roto (1980), también basada en un relato de Agatha Christie, donde compartió cartel con una larga lista de estrellas veteranas: Tony Curtis, Elizabeth Taylor, Kim Novak, Rock Hudson, Geraldine Chaplin y Edward Fox. A partir de entonces se consolidó su imagen de señora mayor, rebosante de sabiduría y humanidad, capaz de comprender los problemas de los demás de un solo golpe de vista y disminuirlos a base de buenos consejos, vitalidad, serenidad, humor, paciencia y afecto.

Durante los años 80 también intervino en la Pirata Ruth en la versión filmada de la opereta de Gilbert y Sullivan, Los piratas de Penzance con Linda Ronstadt y Kevin Kline (1983) y en The Beggar’s Opera (La ópera del mendigo) junto a Joan Sutherland y Kiri Te Kanawa.

Jessica Flecher

Como Jessica Fletcher en Se ha escrito un crimen, una de mis series favoritas

Su imagen de señora mayor, sabia y algo entrometida se acentuó cuando su marido Peter Shaw inició la producción de la serie Murder, She Wrote (Se ha escrito un crimen), de la que se grabarían múltiples temporadas en la década 1984-94. Su papel de Jessica Fletcher, escritora de novelas policíacas aficionada a resolver asesinatos, le proporcionó varios Globos de Oro y múltiples candidaturas a los Premios Emmy, aunque injustamente no ganó ninguna de ellas.

En pleno éxito profesional, Neil Jordan la llamó para encarnar a Angela Carter en la película de culto En compañía de lobos. A pesar de ello decidió avanzar en su carrera televisiva compaginando su trabajo en la serie con algún telefilme como Mrs. Harris goes to Paris, junto a Omar Sharif, el doblaje de películas de animación (La bella y la bestia, Anastasia) y algunas apariciones públicas como la que llevó a cabo en 1993 cuando entregó el Premio Jean Hershoft a Elizabeth Taylor por su labor humanitaria.

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En 1995 finalizó las grabaciones de Se ha escrito un crimen, para dedicarse a la enseñanza del oficio de actor. Entre sus alumnos podemos destacar a Matthew Goode. Asimismo tuvo que atender a varios problemas familiares relacionados con la adicción de sus hijos a las drogas.

En 2003 falleció su marido a los 85 años. Para sobrellevar la pérdida, Angela Lansbury retomó su carrera, protagonizando telefilmes sobre Jessica Fletcher y regresando a la gran pantalla con La niñera mágica (Kirk Jones), sobre un guion de Emma Thompson. Pero una rotura de la rodilla le impidió participar en la adaptación de The Last Unicorn. También ha participado en doblaje de juegos como Kingdom Hearts 2.

Después de veinticinco años, en 2007 regresó a Broadway en la obra Deuce de Terence McNally recibiendo un merecido premio Tony. En marzo de 2009, retornó como Madame Arcati en Espíritu travieso (Blithe Spirit) de Noel Coward. En verano de 2011 regresa a la gran pantalla protagonizando la comedia The Popper’s Penguins (Los pingüinos del sr. Popper) junto con el actor Jim Carrey.

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En septiembre de 2013, la Junta de Gobernadores de la Academia de Hollywood le concede el Oscar honorífico en honor a sus trayectorias en el mundo del cine, rindiendo “tributo a individuos que han hecho contribuciones indelebles en sus respectivos campos”.

Hoy en día continua representando obras teatrales con gran éxito.

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Con sus hermanos

Sus hermanos Edgar y Bruce fueron productores de cine y televisión y agentes teatrales. Edgar es el padre del director y actor James Lansbury y David Lansbury, también actor.

Teatro

Filmografía

Actriz de voz

Televisión

Telefilmes

Premios y Honores

Premios Óscar

Premios BAFTA

Globos de Oro

 Premio Tony

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Angela_Lansbury#Bibliograf.C3.ADa

Montse M.

 

 
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Publicado por en mayo 11, 2014 en CINE CLÁSICO, NOTICIAS

 

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FIN DE SEMANA


MI HOMENAJE A TRES GRANDES DEL CINE QUE SE FUERON CON EL 2013

ELEANOR PARKER

Eleanor Parker

Eleanor Jean Parker  nació en Ohio el 26 de junio de 1922. Empezó actuando en producciones estudiantiles y después de concluir sus estudios secundarios marchó a Hollywood a probar fortuna. Parker firmó su primer contrato con Warner Brothers con 19 años y debutaría en el cine en 1941 en el film Murieron con las botas puestas, aunque sus escenas fueron cortadas.

Participó en pequeños papeles en Busses Roar (1942) y en el drama de propaganda Misión en Moscú (1943). Su primer papel protagonista fue en The Mysterious Doctor, en cinta surrealista Between Two Worlds (“Entre dos mundos”, 1944), el melodrama negro Of Human Bondage (“Servidumbre humana”, 1946) -remake de “Cautivo del deseo” (1934, John Cromwell) basados ambos en la célebre novela de Somerset Maugham- en la primera gran adaptación para la pantalla de “La dama de blanco” The woman in white, la famosa novela escrita por Wilkie Collins. En 1945 protagoniza Pride of the marines (“El príncipe de los marines”), film bélico con el que logró su primer gran éxito de taquilla.

En la década de los 50 demostró que una bella actriz podía interpretar a mujeres fuertes y de carácter.  Recibe su primera nominación al Óscar con su papel de mujer encarcelada injustamente por Sin remisión. Después llegaron Three secrets (“Tres secretos”, 1949) al año siguiente fue nominada por segunda vez por Brigada 21, donde ofreció una de sus mejores interpretaciones.

Después llegaron sus éxitos de industria y público con Scaramouche (1952) un clásico del cine de capa y espada, Fort Bravo (1954), Cuando ruge la marabunta (1954 y una de mis favoritas, con Charlton Heston, El valle de los reyes (1955) y El hombre del brazo de oro (1955). Es en este mismo año que recibe su tercera y última nominación a los Oscar con su magnífica interpretación de la cantante de ópera Marjorie Lawrence en el biopic Melodía interrumpida. Otros éxitos fueron Un rey para cuatro reinas (1956), Millonario de ilusiones (1959) y Con él llegó el escándalo.

En la década de 1960 Eleanor Parker viendo que escaseaban los papeles para ella, decidió encaminarse hacia la televisión, hasta su reaparición, en 1965,en la película musical más taquillera de la historia del cine: The Sound of Music (“Sonrisas y lágrimas) donde interpretaría a la baronesa Elsa Schraeder.

En 1966, la actriz contrajo matrimonio con Raymond Hirsch y su carrera en el cine fue decayendo. Participó en The Oscar y en el estupendo thriller Homicidio justificado que rodó en 1967. Abandonó el cine en 1969 tras el fracaso en taquilla de La gata en la terraza (1969), aunque diez años después retornaría con Sol ardiente (1979). Durante los años 70-80 trabajaría con bastante asiduidad en diversos telefilmes y teleseries, como Vacaciones en el mar y Se ha escrito un crimen.

Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood situado en el 6340 de Hollywood Boulevard.

Se caracterizó por ser una actriz camaleónica y desaparecer detrás de sus personajes. Doug McClelland escrbió un libro sobre ella llamado Eleanor Parker: Woman of a Thousand Faces (La mujer de las mil caras).

Parker se casó en cuatro ocasiones y tuvo cuatro hijos. Sus maridos fueron Fred Losee, el productor Bert Friedlob y el artista Paul Clemens (1954-65), pero el amor de su vida fue el ejecutivo Raymond Hirsch, con quien contrajo matrimonio en 1966 y que
falleció en 2001

Con 91 años murió el 9 de diciembre de 2013 en Palm Springs (California) debido a una neumonía.

PETER O’TOOLE

Laurence de Arabia

Peter Seamus Lorcan O’Toole nació el 2 de agosto de 1932 en Irlanda. Era hijo de Constance Jane Ferguson, enfermera escocesa, y de Patrick Joseph O’Toole, un irlandés orfebre de metales, jugador de fútbol y gestor de apuestas de carreras. Durante cinco años recorrió con sus padres las ciudades del norte de Inglaterra en las que se efectuaban las mayores apuestas. Al iniciarse la Segunda Guerra Mundial, Peter  fue evacuado a Leeds e ingresó en un colegio católico de monjas, donde permaneció 8 años. Él lo recordaba como una época dura donde recibía severos castigos disciplinarios, sobre todo debido al interés de las monjas por “curarle” de ser zurdo. A los 15 años dejó la escuela paratrabajar como periodista y fotógrafo, en un diario provincial, hasta que fue convocado para servir en la Armada Real.

Estudió en la Academia Real de Arte Dramático (1952-1954) y después entró a formar parte de la Bristol Old Vic Theatre, donde se destacó como un talentoso intérprete de obras shakespearianas y en la English Stage Company.

En 1954 debuta en televisión, y en 1959 en el cine Kidnapped, como actor de reparto. Siguieron El día que robaron el Banco de Inglaterra (1960) y Salvajes inocentes (1960),

O’Toole siempre demostró gran capacidad para internarse en la psicología de complicados personajes, aportando un elemento histriónico, con un gran registro emotivo y su talento para expresar los vaivenes emocionales de personajes sumamente complejos y atormentados, tanto en drama cómo en comedia. su consagración llegaría con su interpretación de una de las figuras más fascinantes y controvertidas del siglo XX: el teniente coronel inglés Thomas Edward Lawrence, más conocido como Lawrence de Arabia, en la película del mismo título y se convertiría en un hito tanto en su carrera cinematográfica cómo en la historia del cine. Lawrence de Arabia constituyó una obra maestra tanto en el terreno interpretativo, argumental (es un fuerte alegato contra el colonialismo), narrativo y fotográfico, e incluso la banda sonora de Maurice Jarre se convirtió en un clásico hasta el día de hoy. Esta película recibió 7 premios Óscar en la edición de 1962, incluso el de Mejor Película, pero el correspondiente a Mejor Actor Protagónico recayó en Gregory Peck, por su actuación en Matar a un ruiseñor.

Después vinieron Lord Jim (1964), Becket (1964), La noche de los generales (1966), El león en invierno (1968), Adiós, Mr. Chips (1969), El hombre de La Mancha (1972) y El último emperador (1987).

Era un hombre con tendencia a bromerar y a cantar durante los rodajes.

Durante los sesenta y setenta realizó importantes interpretaciones en What’s New Pussycat?, La Biblia, Cómo robar un millón y… (con Audrey Hepburn), La noche de los generales, La guerra de Murphy, y El hombre de La Mancha (con Sophia Loren), pero ninguna llegó a superar el cenit alcanzado en Lawrence de Arabia.

A finales de los años 70  tuvo que someterse a una cirugía para extirparle parte de su estómago e intestinos, debido a su alcoholismo. En 1979 participó en la polémica Calígula y fue nominado para el Premio Razzie (antítesis del Óscar), por la peor actuación en 1984, por su papel en Supergirl.

Recuperó renombre con El último emperador y participó en la superproducción Troya, protagonizada por Brad Pitt. Fue nominado a mejor actor dramático en los Globos de Oro 2006 y al Óscar (2007) por su participación en Venus.

Estuvo casado con la actriz irlandesa Siân Phillips de 1958 a 1979, y con ella tuvo dos hijas: Kate y Patricia. Después se unió a la modelo Karen Brown y tuvo a otro hijo, Lorcan Patrick, O’Toole nunca se volvió a casar, probablemente debido a sus creencias católicas relacionadas con el divorcio.

Entabló amistad con la estrella estadounidense Rose McGowan tras trabajar juntos en el filme de 1998 Phantoms. Además de mantener una buena relación en el set de rodaje, la actriz afirmó que solían quedar para hablar y tomar el té, lo que consideraba un verdadero honor.

El escurridizo tío Oscar

Fue nominado 8 veces al Óscar, sin éxito, por: Lawrence de Arabia (1962), Becket (1964), El león en invierno (1968), Adiós, Mr. Chips (1969), La clase dirigente (1972), Profesión: el especialista (1980), Mi año favorito (1982) y Venus (2007), pero en el año 2003 recibió una estatuilla honorífica. Al inicio se mostró reticente a recibir el premio de la Academia de esta forma, e incluso solicitó más tiempo para ganar el Óscar por un papel en una película, pero ante la insistencia de sus hijos cambió de opinión y se hizo presente en la ceremonia para aceptar su premio.

El 11 de julio de 2012 Peter O’Toole anunció su retiro del cine y del teatro. Dijo que seguiría trabajando en la redacción del tercer volumen de sus memorias.

Murió tras una larga enfermedad el 14 de diciembre de 2013, a los 81 años de edad.

JOAN FONTAINE

Rebeca

Joan era la hija pequeña de Walter de Havilland, abogado, y de Lilian Augusta Ruse, actriz británica conocida como Lilian Fontaine y hermana de la también actriz Olivia de Havilland. Nació en Tokyo en 1917, un año después que Olivia.

con la que estuvo enemistada durante los últimos 38 años de sus vidas.

Cuando Joan tenía dos años sus padres se divorciaron y había enfermado de anemia. Los médicos aconsejaron un cambio de clima y Lililan se marcó con sus dos hijas a California. La salud de Joan mejoró al poco tiempo y ambas niñas recibieron lecciones de dicción. La pequeña de los Havillan siempre resaltó por un mente brillante. A los 15 años viajó a Japón y vivió dos años con su padre.  De regreso a los EEUU empezó a trabajar en el teatro y en el cine, siguiendo los fpasos de su hermana, con el apellido de su padrastro. Joan debutó en la obra Call It A Day en 1935 y pronto recibió una oferta para firmar un contrato con la RKO.

Su debut en el cine fue un pequeño papel en la película No más mujeres (1935) y fue escogida para ser pareja de Fred Astaire en  Señorita en desgracia (1937), que fue un fracaso. Sus siguientes trabajos fueron en pequeños papeles hasta que terminó el contrato y no se lo renovaron. En 1939 se casó con Brian Aherne.

El destino llama a su puerta

Durante una cena conoció a David O. Selznic, productor de Lo que el viento se llevó, su gran éxito. Hablaron sobre la novela Rebeca de Daphne du Maurier y él le ofreció hacer una audición para interpretar a la protagonista. Siguieron seis meses de pruebas y audiciones hasta conseguir el codiciado papel.  La película Rebeca era el debut de un gran director británico, Alfred Hitchcock y tenía cómo compañero a Laurence Olivier. Este papel le consiguió la candidatura al Oscar a Mejor actriz en 1940, pero no lo ganó. Fontaine volvió a rodar con Hitchcock en Sospecha, junto a Cary Grant, y esta vez sí ganó el preciado Óscar.

Relación conflictiva

Joan y su hermana Olivia siempre se llevaron mal. De niñas se peleaban y una vez Joan sufrió una fractura en la clavícula. Su relación estaba repleta de desplant4es y ofensas por ambas partes. En 1938, durante los castings para Lo que el viento se llevó, Joan rechazó el papel de Melania con estas palabras: «Para hacer el papel de pava (pavisosa, tonta), llamen a mi hermana». Un papel que efectivamente interpretó Olivia de Havilland recibiendo una nominaicón al Oscar y un lugar en la historia. En 1975 las hermans dejaron de hablarse debido a que tras la muerte de la madre de ambas, Olivia no invitó a su hermana al oficio religioso, mientras que Olivia aseguró que si la había invitado y Joan no pudo ir por causas laborales. Joan Fontaine habla de esta situación familiar con estas fpalabras: «El odio, lo agotamos siendo jovencitas. Ahora nos ignoramos». Y la razón es que «Olivia es un león, y yo un tigre; y la ley de la selva dice que no podemos llevarnos bien».

Ciudadana estadounidense desde 1943 sigió con su exitosa carrera en película como La ninfa constante (1943) (su tercera nominaicón), Jane Eyre, Abismos (1947) o Carta de una desconocida (1948) dirigida por Max Ophüls.

En los años 50 partició en el Otelo de Orson Welles, en Ivanhoe y en España rodó Tres historias de amor de Hugo Fregonese. A partir de ese momento compagino cine con televisión y teatro. en 1954 protagonizó en Broadway junto a Anthony Perkins la obra Tea and Sympathy, con muy buenas críticas. En 1956 participó en Serenade. Un año después en Más allá de la duda y en Una isla en el sol, donde Joan Fontaine tuvo por partenaire a un galán de raza negra, Harry Belafonte. En aquella época las parejas interraciales todavía no eran bien vistas y la película fue un fracaso comercial. Los años 60 fueron principalmente para el teatro con las obras Vidas privadas, Cactus Flower y la producción austriaca de El león en invierno.

Su última película fue The Witches (1966), la cual también coprodujo. A partir de entonces se dedicó a la televisión y fue candidata a un Emmy por la telenovela Ryan’s Hope en 1980. En 1985 trabajó como protagonista en la serie “Dark Mansions” y en 1990 apareció en el canal American Moviei Classics contando anécdotas de Hollywood.

Datos curiosos

Joan Fontaine era piloto de avioneta y de globo aerostático, una experta amazona, ganadora de concursos de pesca de atún, golfista, experta cocinera y decoradora de interiores.

Vivió sus últimos años en Carmel-by-the-Sea medio recluida y en 1979 publicó su autobiografía, No Bed of Roses (No fue un lecho de rosas) en el que contaba su vida familiar y sentimental. Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollyvood.

En 1989 fue galardonada en un homenaje a su carrera artística durante la celebración del Festival de San Sebastián.

Admás de con Brian Aherne, se casó en otras tres ocacines con se casó en cuatro ocaciones con William Dozier, Collier Young y Alfred Wright, Jr. Tuvo a su hija Deborah con su segundo marido y adoptó a Martita, una niña peruana. Con ambas tuvo mala relación debido a que las chicas mantenían contacto con su tía Olivia.

Murió, con 96 años, el 15 de diciembre de 2013 por causas naturales. Havilland, que tiene 97 años, vive en París.

Montse M.

 
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Publicado por en enero 5, 2014 en CINE CLÁSICO

 

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GUMMO Y ZEPPO MARX

GUMMO

Gummo

Milton Marx fue el cuarto de los hermanos Marx y nació el 23 de octubre de 1892.

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Groucho y Gummo

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Los 4 ruiseñores (Groucho, Chico, Gummo y el niño Lou Levy)

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Su nombre artístico era Gummo y trabajó junto a sus hermanos en el vodevil, pero nunca llegó a actuar en ninguna de sus película porqué no le gustaba la actuación.

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El soldado Milton Marx

Gummo fue el único de los Hermanos que sirvió como soldado en la I Guerra Mundial. Tras licenciarse, entró en el mundo de la moda y más tarde fundó junto a su hermano Zeppo Marx una agencia teatral. Más tarde acabó vendiendo la agencia y se convirtió en el representante de de su hermano Groucho Marx y ayudó a sus otros hermanos a realizar el programa televisivo The Life of Riley.

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Murió el 21 de abril de 1977 en Palm Springs, California.

ZEPPO

Zeppo Marx, 1933

Herbert Marx, más conocido por Zeppo nació el 25 de febrero de 1901 y era el hermano más pequeño de los famosos hermanos.

Hermanos Marx

El personaje de Zeppo era el de un joven apuesto, recto, romántico y poco cómico en las primeras cinco películas de los hermanos Marx. En 1925 tuvo un papel en la comedia A Kiss in the Dark de Adolphe Menjou, pero se desconoce que papel interpretó ya que todas las copias del film se perdieron. Aunque Zeppo contaba con habilidades cómicas suficientes, incluso para sustituir a su hermano Groucho en algunas representaciones y era conocido por sus chistes entre bastidores, nunca creó un gran personaje cómico que pudiese rivalizar con los de Groucho, Harpo y Chico.

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Fuera de la actuación, Zeppo poseía un gran talento para el mundo de la mecánica, por lo que se encargaba de las reparaciones y el mantenimiento del coche familiar. Además de fundar la compañía teatral junto a su hermano Gummo, en 1941 fundó la empresa Marman Products, dedicada al diseño y ensamblaje de diversas piezas y material armamentístico requeridos por el ejército estadounidense durante la II Guerra Mundial. Las propias argollas con las que se amarró al Enola Gay a Little Boy, la bomba atómica lanzada sobre Hiroshima, fueron un diseño suyo y se construyeron en sus fábricas. También inventó un tipo especial de reloj de pulsera capaz de medir el pulso a personas afectadas de problemas cardíacos y lanzar una señal de alarma cuando éste no registrase sus valores normales.

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Los hermanos el día de la primera boda de Zeppo

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Zeppo con Marion Brenda, su primera esposa

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Con Barbara, su segunda esposa

Zeppo se casó el 12 de abril de 1927 con Marion Brenda, con quien no tuvo hijos. La pareja adoptó un niño, Timothy, en 1944 y se divorciaron en 1954. Cinco años después contrajo matrimonio nuevamente con Barbara Blakeley y adoptó al hijo de ésta, Bobby Oliver, al que dio su apellido. Zeppo y Barbara se divorciaron en 1973. Él no volvería a casarse y ella se casaría con Frank Sinatra en 1976.

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Falleció el 30 de noviembre de 1979 debido a un cáncer de pulmón y fue el último de los Hermanos Marx en hacerlo.

Montse M.

 
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Publicado por en diciembre 29, 2013 en ARTE, CINE CLÁSICO

 

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FIN DE SEMANA


CHICO Y HARPO MARX

Harpo and Chico - June 1949

Chico Marx era el mayor de los cinco hermanos Marx y nació el 22 de marzo de 1887. Su verdadero nombre era Leonard Marx. En sus películas tocaba el piano, donde era el compañero inseparable de su hermano Harpo Marx y el único capaz de entender lo que quería decir con sus gestos.

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Su vida privada fue bastante complicada debido a constantes problemas económicos a causa de su afición al juego y a las mujeres, provocando épocas de distanciamiento con sus hermanos.

Annex - Marx Brothers (A Day at the Races)_NRFPT_01

Dejó los estudios para dedicarse al vodevil, junto a sus hermanos. Fue el principal impulsor para que los Marx dieran el salto al cine, pues sabía que así ganarían más dinero trabajando mucho menos… y no se equivocaba.

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Su personaje en las películas que hizo con sus hermanos era el de un timador italiano que siempre saca de quicio al villano y siempre acababa aliándose con el personaje de Harpo para conseguir sus propósitos. Tocaba el piano a una velocidad increíble.

Sus mejores interpretaciones fueron en Una noche en la ópera (1935) y en Un día en las carreras (1937).

Sólo hizo una película en solitario, Papa Romani, en 1950 y era un episodio piloto para televisión.

Chico-Betty y Maxine

Familia Chico Marx

Dos instantáneas de Chico con su primera esposa y su hija Maxine

Estuvo casado en dos ocasiones. Su primera esposa fue Betty Kart con quién estuvo 23 años, aunque le fue infiel muchas veces. Con ella tuvo a su hija Maxine, que años después plasmaría todas sus frustraciones infantiles en una autobiografía titulada ‘Creciendo con Chico’. En 1958 volvió a casarse con Mary De Vithas.

Chico Marx

Fue el primero de los hermanos en morir, debido a un ataque al corazón, el 11 de octubre de 1961, a los 74 años.

Harpo Marx nació el 23 de noviembre de 1888, un año después que Chico. Su verdadero nombre era Adolph Marx, pero coincidiendo con la segunda guerra muncial y debido a os orígenes alemanes  de la familia, se lo cambió por el de Arthur.

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Un jovencito Harpo Marx

Se hizo famoso gracias a su papel de mudo, con su característica peluca naranja, su bocina y su gabardina con los bolsillos siempre llenos.

harpo

El origen de su nombre artístico se debe a su afición a tocar el arpa, tanto en las películas cómo en su vida privada. “Si habéis visto alguna vez una película de los hermanos Marx, ya sabéis cuál es la diferencia entre él y yo. Cuando persigue a una chica por toda la pantalla es Él. Cuando se sienta a tocar el arpa, soy Yo”.

Harpo Marx en 1926

El éxito les llegó años más tarde, tras innumerables giras por teatros inmundos, el primer día que Minnie les deja solos. “Corrí al escenario y empujé a Chico fuera del taburete del piano y empecé The holy city, en la variación de marcha rápida. Groucho me sacó de allí de otro empujón. Chico sacó a Groucho. Yo empujé a Chico. A lo largo de toda la absurda ronda, el piano siguió sonando y Groucho siguió cantando La donna è mobile en un italiano con doble sentido. El teatro se vino abajo”. Eso fue justo antes de que una mala crítica decidiera a Harpo callarse profesionalmente para siempre.

Aunque  no llegó a terminar sus estudio de segundo grado, durante su vida se codeó con lo más granado de la cultura americana de la época, siendo muchos de ellos grandes amigos suyos. De esta manera formó parte de la Mesa Redonda del Hotel Algonquin, donde se reunían los más brillantes autores, editores, críticos, artistas, compositores, etc.

1940 Marx Brothers in Go West

Los Marx en el Oeste

De entre sus amistades cabe destacar a Alexander Woolcott, crítico de Broadway muy famoso en su época, al que le unió una relación muy especial a lo largo de los años, hasta tal punto que le puso Alexander a uno de sus hijos.

Harpo y Susan

Con su esposa Susan

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Con sus hijos: Harpo y tres mini Harpo

Tras años de soltería se casó finalmente con Susan Fleming, con la que adoptó cuatro hijos: Bill, Jimmy, Alex y Minnie.

Publicó sus memorias en el libro ¡Harpo Habla!, en 1961, donde comentaba que había sido espía para los EEUU durante sus gira por la Unión Soviética.

Hizo dos películas en solitario: Too Many Kisses (1925) y un cameo en Stage Door Canteen (1943).

Harpo M

Falleció en 1964 tras una operación de bypass, que después presentó complicaciones.

Montse M.

 
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Publicado por en diciembre 22, 2013 en ARTE, CINE CLÁSICO

 

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FIN DE SEMANA


 GROUCHO MARX

Groucho Marx en fin

Julius Henry Marx, de nombre artístico Groucho, nacido en Nueva York el 2 de octubre de 1890, era el cuarto hijo de una modesta familia de inmigrantes alemanes judíos. Su madre era Miene (Minnie) Schoenberg (1864-1929) que emigró a Estados Unidos desde Alemania junto a sus padres y sus hermanos y se preocupó de educar a sus hijos en la música (a Julius en el canto), y su padre era Simon (Samuel) Marx (nacido como Marrix) (1860?-1933), un sastre inmigrante alemán nacido en Alsacia cuando formaba parte de Francia y anexada al Imperio Alemán tras la Guerra Franco-Prusiana en 1871. Samuel pasó de ser ciudadano francés a ciudadano alemán, aunque él se sentía francés y era conocido como  Frenchy.

Groucho de joven

Un jovencito Groucho

Groucho Marx

Un apuesto joven

Groucho debutó en el mundo del espectáculo a los 15 años como cantante solista y después empezó  a actuar junto a sus hermanos en el vodevil, primero en tríos o cuartetos musicales y finalmente en revistas. La obra Cocoanuts, interpretada de 1925 a 1928, dio a los Marx su oportunidad en Broadway. Después vinieron las películas primero con la Paramount y después con la Metro Goldwyn Mayer.

Groucho marx 1

Con sus hermanos

Los hermanos se iban de gira con su espectáculo de variedades y luego utilizaban los mejores gags en las películas que rodaban. Julius, por sobrenombre Groucho, de grouch, “gruñón” en inglés, se ponía un mostacho postizo muy incómodo y un día decidió quitárselo y pintarse uno con betún; a su personaje le añadió unos andares gachos que suscitaron la risa cuando los ensayó en el espectáculo y lo completó con cejas pobladas, un habano y gafas de metal. Su papel solía ser el de un abogado cazadotes de verbo fácil, pícaro, ingenioso y dispuesto a todo por dinero, especialmente a dar un “braguetazo” o boda de conveniencia con una vieja rica. Su humor era especialmente corrosivo, imaginativo, alocado y anarquista, potenciado por las travesuras del mimo Harpo y la picaresca y slang italianizante del jugador compulsivo Chico.

GrouchoMarx

Con su guitarra

En los 50 cada uno de los tres hermanos continuó trabajando independientemente en radio, televisión y cine, siendo Groucho el que más éxito cosechó, gracias a su faceta como escritor y sobre todo como presentador de su programa televisivo “Apueste su vida“, con el que se hizo realmente famoso en los Estados Unidos entre una generación de personas que nunca lo habían visto en el teatro y que apenas lo conocían de alguna de sus viejas películas.

Groucho Marx2

Escribió dos libros de memorias: Groucho y yo (Barcelona: Tusquets editores, 1995) y Memorias de un amante sarnoso (Barcelona: Tusquets editores, 2000). En español se han publicado algunos de sus cuentos: ¡Sálvese quien pueda! y otras historias inauditas (Plot ediciones, 2005), cartas: Las cartas de Groucho (Barcelona: Anagrama, 1998) y guiones radiofónicos: Groucho y Chico abogados: Flywheel, Shyster y Flywheel. El serial radiofónico perdido de los hermanos Marx (Barcelona: Tusquets editores, 1999).

Groucho con Queen

Entre las amistades estaban Alice Cooper y Elton John, a quienes reconocía como compañeros comediantes por sus disfraces y numeritos en escena, y a los integrantes de Queen. Enterado de que una banda inglesa había titulado dos de sus discos A Night At The Opera y A Day At The Races, les invitó a una cena en su casa, les felicitó por sus canciones, y les ofreció su vieja guitarra acústica para que Freddy Mercury y sus chicos le obsequiasen con una serenata.

Groucho Marx sabía reconocer el talento. Fue uno de los primeros en elogiar a Woody Allen. “Dicen que Allen se ha inspirado en los hermanos Marx: eso es mentira. Hace treinta años, nosotros nos hubiéramos inspirado en él”, afirmó Groucho en 1972 a un pasmado Roger Ebert.

Tuvo tres ex-esposas, Ruth, Kay y Eden y tres hijos, Arthur, Miriam y Melinda.

Groucho y Ruth Johnson

Con su primera esposa, Ruth Johnson y los hijos de la pareja, Arthur y Miriam

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Con su hija Melinda

En familia

Con Eden Fleming y Miranda

Los últimos años de la vida de Groucho no fueron muy felices. Se había casado con Eden Fleming, una actriz 40 años más joven y que se se convirtió en su compañera y manager alrededor de 1965 y, si bien impulsó un exitoso regreso a los teatros, le manipuló y abusó de él en la intimidad, de forma cruel. Tras numerosas batallas legales con Arthur Marx, el hijo mayor de Groucho, Fleming perdió la mayor parte de su herencia y, tras un largo historial de drogas, sin hogar y problemas con la ley, se suicidó en 2003.

Uno de los mejores cómicos del hundo, yo diría que no ha habido nadie como él, capaz de utilizar el humor para superar su gran timidez (increíble, ¿verdad?) y atacar los convencionalismos sociales de su época. Su humor era mordaz y contaba con un gran ingenio, improvisación ilimitada y una creatividad inagotable, que cautivó al público. Un maestro en el arte de dar el “bofetón” y que te hiciera gracia.

Se preocupaba por el medio ambiente: “Soy de los que apagan la luz al salir de una habitación, y que cierran bien los grifos, para que no pierdan agua”.

groucho

Groucho Marx falleció en Los Ángeles el 19 de agosto de 1977 a causa de una neumonía, dejando un legado de 18 películas, 14 de ellas junto a sus hermanos, y millones de admiradores. Cinco años más tarde, en mayo de 1982, sus cenizas fueron robadas. Aparecieron poco después a las puertas de Mount Sinai Memorial Park en Los Ángeles. Jamás se supo quién las había sustraído y el porqué. Desde entonces, las cenizas de Groucho Marx se encuentran escondidas en algún lugar remoto del Eden Memorial Park.

groucho-marx-1890-1977

Un dato que hay que resaltar es que es falso el epitafio “Perdonen que no me levante“, que durante años se creyó que estaba en su tumba. En su tumba está su nombre y apellido, la fecha de nacimiento y muerte y una Estrella de David. El humorista comentó durante una entrevista que ese era el epitafio que querría tener en su tumba y que deseaba ser enterrado sobre el féretro de Marilyn Monroe. Nunguna de las dos peticiones se cumplió.

Películas en solitario

Han pasado a la posteridad sus famosas citas.

  • “La parte contratante de la primera parte será considerada como la parte contratante de la primera parte”
  • “Partiendo de la nada hemos alcanzado las más altas cumbres de la miseria”
  • “El matrimonio es la principal causa de divorcio”
  • “Inteligencia militar son dos términos contradictorios”.
  • “Nunca pertenecería a un club que admitiera como socio a alguien como yo”.
  • “Encuentro la televisión muy educativa. Cada vez que alguien la enciende, me retiro a otra habitación y leo un libro”
  • “Fuera del perro, un libro es probablemente el mejor amigo del hombre, y dentro del perro probablemente está demasiado oscuro para leer”.
  • “Detrás de un gran hombre hay una gran mujer, y detrás de ella su esposa”.
  • “Nunca olvido una cara, pero con la suya voy a hacer una excepción.”
  • “Es usted la mujer más bella que he visto en mi vida… lo cual no dice mucho a mi favor”.
  • “Por quien me ha tomado, yo tengo unos principios…y si no le gustan tengo otros”.
  • “Disculpen que les llame caballeros, pero es que aún no los conozco bien”
  • “Hay muchas cosas más importantes en la vida que el dinero, pero, ¡cuestan tanto…!”
  • “No piense mal de mí, señorita, mi interés por usted es meramente sexual”

Otras de sus frases célebres: “No tenéis de la menor idea de lo que ocurre en mi interior… Porque todo hombre es una isla dentro de sí mismo.” Se burlaba de una sociedad hipócrita en donde “la mentira se ha convertido en una de las más importantes industrias de Norteamérica”; “Cuando tú sonríes, yo descubro que hay esperanza, hay esperanza para mí”

La mayoría de sus famosas frases pertenecen a sus espectáculos y películas, pero otras provienen de su vida privada. Aquí tenéis un extracto de una carta a su hija Miriam.

-Dices que conociste a John en un ascensor, y mi pregunta es: ¿subía o bajaba? Esto es muy importante porque, cuando bajamos en un ascensor, siempre tenemos una sensación de vacío en el estómago que a veces puede confundirse con amor. En cambio, si subía, se trata de un caso claro de flechazo a primer vista y, también prueba que John e un joven en periodo de ascenso.

Montse M.

 

 

 

 

 

 

 
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Publicado por en diciembre 15, 2013 en ARTE, CINE CLÁSICO

 

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FIN DE SEMANA


ESTE MES DE DICIEMBRE, ESPECIAL CICLO DE LOS HERMANOS MARX

LA PARTE CONTRATANTE

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http://www.youtube.com/watch?v=AaO1FzE6J9I

Los hermanos Marx (Marx Brothers) eran cinco hermanos cómicos, nacidos en Nueva York, que alcanzaron el éxito trabajando en el Vodevil, en Broadway y en el cine. Cinco de sus películas están incluidas en la lista de las 100 mejores comedias del American Film Institute.

Hijos de Samuel y Minnie Marx, quienes sufrieron la muerte de su primer hijo, Manfred, en 1886 de gripe con siete meses de vida. Los tres hermanos mayores, Chico, Harpo y Groucho crearon cada uno a un tipo específico de personaje, mientras que los más jóvenes, Gummo y Zeppo, se mostraba apuestos y elegantes, abandonando el espectáculo. Gummo no participó en ninguna de las películas, y Zeppo sólo apareció en las seis primeras. Los cinco hermanos nunca aparecieron juntos en un escenario.

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La familia al completo en 1915. De izquierda a derecha: Groucho (con 25 años en la foto), Gummo (23 años), Minnie (madre, 50 años), Zeppo (14 años), Frenchy (padre, 56 años), Chico (28 años) y Harpo (27 años).

UNA FAMILIA DE TRADICIÓN ARTÍSTICA

Harpo podía tocar prácticamente cualquier instrumento, aunque su especialidad era el arpa. Chico fue un excelente e histriónico pianista, y Groucho tocaba la guitarra.

Sus inicios fueron en el Vodovil; Groucho debutó en 1905 como cantante. En 1907 él y Gummo cantaron juntos, y con Mabel O’Donnell formaron Los Tres Ruiseñores. Al año siguiente, Harpo se convirtió en el cuarto Ruiseñor. En 1910 el grupo se amplió, y en él participaron la madre y la tía Hannah, cambiando su nombre por Las Seis Mascotas.

Saginaw-Michigan 1911

Anuncio en un periódico de 1911 de una actuación

Durante una actuación en la Opera House de Nacogdoches (Texas), el público salió a la calle tras escucharse unos fuertes golpes producidos por una mula desbocada. Al regresar a sus asientos Groucho comenzó a hacer comentarios sarcásticos al público, diciendo “Nacogdoches está lleno de cucarachas”, pero sorprendentemente el público estalló en carcajadas y decidieron utilizar comentarios y situaciones cómicas en las actuaciones. Un ejemplo es el número de la escuela en el que Groucho encarnaba a un profesor con marcado acento alemán, y los alumnos eran Harpo, Gummo, y desde 1912, Chico. En esta época Gummo se vio obligado a dejar el grupo para luchar en la Primera Guerra Mundial. Zeppo lo reemplazó en los últimos años de espectáculos de vodevil, y se incorporó a la nueva etapa en Broadway, y a las películas que vinieron a continuación.

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Los cuatro Hermanos Marx

Debido al sentimiento antigermánico en EEUU la familia intentó ocultar su origen alemán. Harpo cambió su auténtico nombre de pila de Adolph a Arthur, y Groucho dejó de hacer papeles de personajes “alemanes”. En aquellos momentos empezaron a actuar con el nombre de  “Los Cuatro Hermanos Marx” y a desarrollar su estilo tan característico y a sus emblemáticos personajes, creados por Al Shean. Groucho se empezó a pintar un grueso bigote con betún, y adoptó un extravagante andar a zancadas, Harpo se puso una peluca roja, tocaba una bocina y simuló ser mudo, Chico empezó a hablar con un falso acento italiano (que copiaba de unos vecinos), y Zeppo adoptó los ademanes juveniles de un gentil galán. Curiosamente Zeppo era el más gracioso de los hermanos fuera del escenario, a pesar de que sus papeles artísticos eran serios y poco lucidos. Aprendió a imitar a sus hermanos a la perfección, para sustituirlos si fuera necesario.

En la década de 1920 los Hermanos Marx se convirtieron en un grupo favorito del teatro norteamericano. Con su duro y extraño sentido del humor hicieron agudas sátiras de la alta sociedad y la hipocresía humana. Con su ingenio demostraron ser grandes maestros de la improvisación. Como ejemplo: En una ocasión Harpo pidió a una chica del coro que cruzase la escena mientras él mismo la perseguía, para ver si Groucho se desconcertaba. Sin embargo, y para deleite del público, este simplemente dijo con serenidad mirando el reloj: “Caramba, es la primera vez que veo a un taxi persiguiendo a un pasajero”, y cuando Harpo cambió de dirección durante la persecución de la chica añadió: “Puedes poner tu reloj en hora en las 9:20”. En otra ocasión mientras Groucho interpretaba una escena romántica Zeppo, entre bastidores, gritó: “¡Ha llegado el basurero!”; Groucho, sin inmutarse le respondió: “Dile que hoy no queremos”.

Bajo la dirección de Chico y la dirección creativa de Groucho, el vodevil de los hermanos alcanzó un éxito tal que los convirtió en las estrellas del teatro musical de Broadway, primero con la revista musical I’ll Say She Is (1924 – 1925), seguida de dos comedias musicales, Los Cuatro Cocos (1925 – 1926) y Los Conflictos de los Marx (1928 – 1929). El libretista George S. Kaufman trabajó en los dos últimos espectáculos citados, y ayudó a mejorar la definición de los personajes de los Hermanos Marx.

EN HOLLYWOOD

EL CAMAROTE DE LOS HERMANOS MARX

El camarote

http://www.youtube.com/watch?v=-lPZhdOLBTc

Los Hermanos Marx se hicieron célebres cuando Hollywood pasó de hacer películas mudas a sonoras. Firmaron un contrato con la Paramount, y dieron un giro a sus carreras profesionales participando en varias películas. Las dos primeras películas eran adaptaciones de sus revistas en Broadway: Los Cuatro Cocos (1929) y El conflicto de los Marx (Animal Crackers, 1930), aunque hubo una película muda, Humor Risk, que nunca se llegó a estrenar. Su tercer largometraje, Monkey Business (1931), (En España, Pistoleros de agua dulce), fue el primero que no se basó en un espectáculo anterior. Siguió Plumas de Caballo (1932), una sátira tanto del sistema estudiantil universitario norteamericano como de la “ley seca”, y se convirtió en su película más popular, llegando incluso a ocupar la portada de la revista Time. Incluía un “gag” que sería recurrente en otras películas, en el que Harpo demuestra que de su gabardina puede extraer cualquier clase de objeto; de hecho, en esta película se saca un mazo de madera, un pez, una cuerda, un lazo, un cartel de una mujer en ropa interior, una taza de café caliente, una espada, y una vela encendida por los dos extremos. La última película que hicieron para la Paramount, Sopa de Ganso (1933), dirigida por Leo McCarey, está considerada actualmente como una de las mejores: es el único de sus largometrajes incluido entre los 100 películas más importantes por el Instituto Americano del Cine. El público consideró que la película era irregular, pero actualmente no se piensa de este modo. En todo caso, y aunque no funcionó tan bien como Plumas de Caballo, hizo la sexta mejor taquilla de 1933.

SOPA DE GANSO

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http://www.youtube.com/watch?v=pvFKDEJpQSA

UN DÍA EN LAS CARRERAS

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http://www.youtube.com/watch?v=-VPtBsZQm0g

http://www.youtube.com/watch?v=3XbM0A9sJJY

Marx Brothers

Los tres Hermanos Marx

Los Hermanos Marx dejaron la Paramount por diferencias creativas y financieras. Posteriormente Zeppo dejó de actuar y se convirtió en agente de sus hermanos, cargo que desempeñó hasta el final de sus carreras, así pasaron a ser Los tres Hermanos Marx y empezaron a trabajar para la Metro-Goldwyn-Mayer, y , siguiendo la sugerencia de Irving Thalberg, con un cambio en su fórmula humorística, intercalando entre las escenas de humor otras de tipo romántico, y números musicales no cómicos. Convirtieron en el blanco de sus iras a villanos declarados. Con este cambio de rumbo se  considera que solo las películas de la Paramount muestran su genio en estado puro. Las dos películas filmadas con Thalberg fueron Una Noche en la Ópera (1935), una sátira del mundo de la ópera, en la que los hermanos ayudan a dos cantantes enamorados mientras provocan el caos en la representación de Il Trovatore. La película alcanzó un enorme éxito, y durante décadas fue considerada su mejor obra. Dos años más tarde rodaron Un Día en las Carreras (1937), donde los Marx ponían patas arriba una carrera de caballos. Pero en 1936 la repentina muerte de Thalberg les dejó sin su mejor contacto en la MGM.

UNA NOCHE EN LA ÓPERA

Una noche en la ópera

http://www.youtube.com/watch?v=7QS5jU6lWio

Tras una corta experiencia con la RKO (El hotel de los líos, 1938), los Hermanos Marx hicieron tres películas más antes de abandonar la MGM, Una Tarde en el Circo (1939), Los Hermanos Marx en el Oeste (1940) y Tienda de locos (1941). Antes del rodaje de Tienda de Locos el grupo anunció que se retiraba del cine, pero la situación económica de Chico era tan desastrosa, y sus deudas de juego tan elevadas que los Hermanos Marx hicieron posteriormente dos películas más: Una noche en Casablanca (1946) y Amor en Conserva (1949), ambas producidas por United Artists. También participaron en La historia de la humanidad (1957), aunque aparecían en escenas separadas. Más tarde hicieron un programa especial de televisión, El increíble robo de la joya (1959). Un total de quince títulos que fueron perdiendo en calidad y en ganancias económicas.

EN EL OESTE

Annex - Marx Brothers (Go West)_04) (1)

http://www.youtube.com/watch?v=O3XYqVK6s3E

AMOR EN CONSERVA-PELÍCULA COMPLETA

Amor en conserva

Con una jovencita Marilyn Monroe

http://www.youtube.com/watch?v=SiaAUeukKQ8

Tras su retirada mientras Chico y Harpo actuaban en casinos y locales nocturnos, a veces juntos, Groucho se dedicó a la radio y la televisión. En 1957 se produjo la única aparición televisiva de los cinco Hermanos Marx, en el programa Tonight! America After Dark y en 1970 se emitió un programa de dibujos animados donde se ofrecían números de cómicos famosos, y los Hermanos Marx prestaron sus voces para sus personajes, a excepción de Chico, que había fallecido en 1961, y de Harpo, que había muerto en 1964. Su número era una recreación de una graciosa parodia sobre Napoleón que en su día había formado parte del espectáculo de Broadway I’ll Say She Is.

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Los cinco hermanos, ya mayores

DOCUMENTAL (INGLÉS)

http://www.youtube.com/watch?v=oZgW5yZMWLY

Montse M.

 
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Publicado por en diciembre 8, 2013 en CINE CLÁSICO

 

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FIN DE SEMANA


60 AÑOS DE VACACIONES EN ROMA

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http://www.youtube.com/watch?v=h3HWRp7G4A4

Este año se cumplen 60 años del estreno en Nueva York de la mítica película Vacaciones en Roma. Esta deliciosa y elegante comedia romántica fue dirigida por William Wyler y protagonizada por Gregory Peck y una casi desconocida Audrey Hepburn. Entre otros premios el film ganó tres Oscar, a la mejor actriz principal a la mejor narración para el cine, y al mejor vestuario, y obtuvo otras siete candidaturas, a la mejor película, al mejor director, al mejor actor de reparto (Eddie Albert), al mejor guion original, a la mejor dirección artística, a la mejor fotografía y al mejor montaje. Escrita por Ian McLellan Hunter, John Digton y Dalton Trumbo, quienes se sirven del clásico cuento de la princesa y el plebeyo traspasado a un ámbito contemporáneo, de la belleza de los atractivos turísticos romanos, y de la encantadora pareja protagonista, para crear un film repleto de trascendentes momentos cómicos y románticos que convirtieron en estrella mundial a la dulce Audrey Hepburn, ganadora del premio Oscar por su película revelación. El éxito de la película fue tal que significó el principio de una gran carrera para la actriz protagonista.

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La película logra transmitir la química generada entre los tres protagonistas principales, Hepburn, Peck y Albert, creando una comedia alegre y optimista.

Argumento

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http://www.youtube.com/watch?v=fitzpzsRM2I

La princesa Anna (Audrey Hepburn) se encuentra en Roma en visita oficial. Cansada de sus obligaciones y de la soledad de su mundo real, decide escaparse durante la noche y vivir la vida de un ser común y corriente, sin formulismos ni pantallas sociales. Se queda dormida en la calle y es recogida por un americano quien la lleva a su apartamento y la acuesta en su propia cama. El americano resulta ser un periodista llamado Joe Bradley (Gregory Peck), quien se ofrece a hacer de guía para ella en Roma. En un principio, el principal interés de Bradley al reconocerla como la princesa que es, es conseguir una exclusiva de 5000 dólares sobre sus vivencias en su momento sabático, pero sin que ella se dé cuenta y para ello hace que su amigo y fotógrafo le saque fotos a escondidas para después publicarlas y hacerse famoso. Ella está encantada por conocer la ciudad como una persona más. Durante el día que pasan juntos, se divierten, pasan bochornos en la vía pública, van a una fiesta nocturna, surge algo entre ellos hasta que descubren que se han enamorado. Cuando la ausencia de la princesa ya no se puede prolongar surge el conflicto entre el deber y los sentimientos y la princesa debe tomar una dura decisión. Ella se despide de Bradley diciendo que jamás olvidará esos momentos y se besan apasionadamente como despedida final. Bradley decide no publicar las fotos como una forma de respetar la privacidad y los sentimientos albergados mutuamente y en una recepción oficial de la princesa Anna a la prensa, Bradley y su amigo concurren y le pasan las fotos a la princesa quien agradece la confidencialidad y ella devuelve la mirada de amor a Bradley y una hermosa sonrisa, para despedirse en silencio.

 Historia de la película

vacaciones en Roma

Trailer en inglés

http://www.youtube.com/watch?v=9GzCG6lpFUw

En un principio la idea era que fuera Franc Capra quién rodara la película. Después del éxito conseguido con «Qué bello es vivir», tenía ganas de hacer una comedia menos mística y quería volver a trabajar con Cary Grant, protagonista de Arsénico por compasión. Cuando descubrió que uno de los guionistas de la película era Dalton Trumbo, cuyo nombre estaba en la lista de la “caza de brujas”, optó por abandonar el proyecto.

Una película sencilla y de bajo presupuesto que iba a servir para aprovechar escenas de Roma, almacenadas por la Paramount, que tendría que rodarse en blanco y negro.

El proyecto es acogido por el director George Stevens quién quería para el papel a una joven Elizabeth Taylor, para abandonar la película y llevarse a la actriz para protagonizar la también gran película, “Un lugar en el sol”, con la que conseguiría un Oscar.

A la tercera va la vencida y es entonces cuando toma el proyecto William Wyler, que acostumbrado al melodrama quería probar con una comedia protagonizada por Cary Grant. Una vez descartado Jean Simmons, el gran director se fija en una joven y casi desconocida actriz llamada Audrey Hepburn, después de ver una audición rutinario. Nada más verla supo que era la Anna que estaba buscando. Pero de nuevo hizo su aparición un nuevo problema. Cary Grant consideró que la actriz era demasiado joven para él y pensando que no funcionairá rechazó el papel. Nadie sabía que diez años después, los dos, protagonizarían “Charada” y que el actor descubriría entonces a su mejor pareja cinematográfica de su carrera.

Entonces Wyler pensó en Gregory Peck, que acababa de separarse y a quién le apetecía probar el género de la comedia.

Con un millón y medio de dólares de presupuesto y una Vespa para pasear por las calles de la mítica ciudad romana, empezó el ansiado rodaje. Cuando terminaron de rodar, Peck pidió que Audrey Hepburn fuera delante de él en los títulos de crédito, porque consideró que estaba frente a una estrella, y no se equivocó.

La Bocca della Veritá

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http://www.youtube.com/watch?v=LumtVIGXK0c

De alguna manera, aquí empezó todo. Situada en el pórtico de la iglesia de Santa María in Cosmedin, cerca de la Isola Tiberina, esta escultura de piedra fue testigo de una de las secuencias clave de Vacaciones en Roma: el momento en que Gregory Peck finge haberse quedado sin mano después de exponerla a la Boca de la Verdad. Cuenta la leyenda que la reacción de pánico Audrey fue natural: el veterano actor decidió gastarle una broma a su joven e inexperta compañera de reparto.

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La actriz, que ganó el Óscar por su inmortal interpretación, volvería a trabajar con Wyler en «La calumnia»; Peck conoció a la que sería su segunda esposa, Veronique Passani, con la que pasaría el resto de sus días, y protagonizó otras grandes comedias, como «Mi desconfiada esposa», y Wyler perdió el miedo a otros géneros, hasta el punto de ganar su tercer Oscar por la espectacular «Ben Hur».

El nombre de Dalton Trumbo fue eliminado de la ficha técnica del filme y el Óscar se lo llevó su amigo Ian McLellan Hunter, que asumió la autoría. En 2002, con la edición restaurada, el agravio fue corregido y su nombre volvió a figurar en los títulos de crédito de ese clásico de la comedia romántica llamado «Vacaciones en Roma».

Había el rumor de que la historia estaba basada en las escapadas de la princesa Margarita de Inglaterra, hermana de la actual reina Isabel II.

Fuentes: abc.es y wikipedia.org

Montse M.

 
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Publicado por en septiembre 15, 2013 en CINE CLÁSICO

 

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