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¿QUÉ SE MUEVE EN BARCELONA?


GUSTAVO DUDAMEL Y LA ORQUESTA SINFÓNICA SIMÓN BOLÍVAR EN BARCELONA

Gustavo Dudamel ha triunfado en Barcelona con la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela. Mañana dará el último de los cinco conciertos programados en el Palau de la Música Catalana. Habrán sido cuatro intensos días en los que se ha interpretado con gran vitalidad y emoción, una de las más grandes obras maestras de la música clásica: las nueve sinfonías de Beethoven. Hace tiempo que las entradas estaban totalmente agotadas y el Palau se ha llenada a rebosar en cada concierto.

La orquesta está formada por músicos de Venezuela que, habitualmente, reciben becas para estudiar en escuelas prestigiosas y conservatorios de todo el mundo. La formación surgió de un sistema de orquestas creado en Venezuela por José Antonio Abreu para ayudar a los jóvenes a mejorar social e intelectualmente a través de la música. Los músicos estuvieron varios días ensayando antes del estreno, el pasado domingo con una doble sesión donde interpretaron por la mañana ‘La primera’ y ‘La segunda sinfonía’ y por la tarde, la ‘Heroica’ (que dura tres veces más que cualquier otra sinfonía de la época) y la ‘La cuarta’. Lunes y martes las cuatro siguientes y mañana, como apoteósico colofón, la ‘Sinfonía número 9’, que será interpretada conjuntamente con el Coro de Cámara del Palau de la Música y el Orfeón Catalán, que celebrará así su 125 aniversario.

El público ha venido atraído por el carisma y la energía entusiasta  de Gustavo Dudamel, que logró un rotundo éxito al dirigir por primera vez el Concierto de Año Nuevo este año.

La impresionante proeza musical tuvo un arranque espectacular con la fuerza dramática de la obertura de Egmont en una sesión matinal centrada en las dos primeras sinfonías. Por la tarde, la carga dramática y la tensión rítmica de la Heroica mostraron el inmenso potencial de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela. La Sinfónica Simón Bolívar ofrece una calidad profesional equiparable a la de las buenas orquestas centroeuropeas.

No es la primera vez que interpretan la integral en cuatro días. Hace dos semanas lo hicieron en Caracas y en el 2015 en Bogotá (Colombia).

Tras Barcelona ofrecerán la integral de Beethoven del 19 al 23 de marzo en la Elbphilharmonie de Hamburgo y cerrarán su gira europea del 26 al 30 con otros cinco conciertos en el Musikverein de Viena. Antes, el jueves, recalarán en el Auditorio Nacional de Madrid para interpretar la Novena con los coros del Palau, dirigidos por Simon Halsey, en el marco de un concierto conmemorativo de los 20 años del ciclo Grandes Intérpretes y los 30 de la revista Scherzo.

Los conciertos se han podido seguir en director en la web de EL PAÍS. Mañana se podrá seguir “La Sinfonía Número 9” a partir de las 20:30 horas.

http://elpais.com/elpais/2017/03/12/videos/1489313359_985945.html

También puede seguirse a través de la retransmisión en ‘streaming’ en la web del Palau de la Música y a través de Medici TV.

Vida personal

El director venezolano Gustavo Dudamel (Barquisimeto, 1981) demostró una vez más su compromiso con la música y las nuevas generaciones. Y sin partitura. No la necesita. Ha respirado música toda su vida. “De pequeño dirigía estas obras en casa con mis muñequitos”, recuerda. A los 9 años su tío le regaló la partitura de la ‘Quinta sinfonía’. “Seguramente es la que más habré dirigido”, recordó el viernes, aprovechando la hora de comer para su encuentro con la prensa para no desaprovechar ni un solo minuto de su valioso tiempo. Dudamel, también director artístico de la Filarmónica de Los Ángeles, está considerado como el renovador de la música clásica por su capacidad para conectar con nuevos públicos. Y su fama ha ido a más tras convertirse este 2017 en el maestro más joven frente a la Sinfónica de Viena en el tradicional Concierto de Año Nuevo.

“En el caótico mundo actual lleno de conflictos e intolerancia el mensaje humanista de Beethoven todavía cobra fuerza”, destacó Dudamel que comparte la misma visión que Simon Hasley, responsable musical del Orfeó Català. Ambos se conocieron hace años, cuando el venezolano era asistente de Simon Rattle en la Filarmónica de Berlín.

“La libertad que hay que darle al pueblo es la cultura”, añadió Dudamel parafraseando al escritor Miguel de Unamuno. “El arte te permite cultivar el espíritu y desarrollar tu creatividad para crear belleza. La cultura es belleza y si los jóvenes tienen acceso a ella tendremos mejores hombres y mujeres”. Para él las sinfonías de Beethoven representan todo eso. “Quizá fue el genio más grande. Su evolución y revolución artística aún perdura”, añade el director tras señalar la enorme influencia de su música.

Dudamel piensa que hay que acercar la música clásica a la gente de la calle y transmitir que está para disfrutarla y vivir el momento. Para lograrlo ha establecido colaboraciones con artistas de otros estilos como Chris Martin, de Coldplay, o con el ‘crooner’ Tony Bennett, con quien la Filarmónica de Los Ángeles tocará este verano. En el estadio del Hollywood Bowl han llegado a reunir hasta 15.000 espectadores, comenta satisfecho.

Gustavo Dudamel es conocido también en España por ser la pareja de la actriz María Valverde. Precisamente ayer se confirmó que se casaron hace tres semana en Las Vegas. Una pareja muy enamorada que se conocieron hace más de una año.

La artista dio alguna pista sobre su gran día a sus seguidores con una imagen en la que se la ve con un vestido, parece de estilo lencero, y una corona de flores, que precisamente ella misma había confeccionado. “Happiness is you” escribió junto a la imagen en la que se ve al fondo el desierto. Este es el primer matrimonio para María pero el segundo para el director de la Filarmónica de Los Ángeles, que estuvo casado con la actriz y bailarina venezolana Eloisa Maturén (se separaron en 2015) y tiene un hijo de ocho años, Martín.

Fuentes: elpais.com y elperiodico.com

Montse M.

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Publicado por en marzo 14, 2017 en ARTE, NOTICIAS

 

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¿QUIÉN MUEVE EL MUNDO?


LA BELLA Y PODEROSA DANZA CON MULETAS DE CLAIRE CUNNINGHAM

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Claire Cunningham es una bailarina y coreógrafa escocesa que transmite con su danza una gran fuerza, valentía y emoción. Tiene un problema de motricidad debido a una osteoporosis de nacimiento y desde los 14 años que necesita muletas para caminar pero esto no le ha impedido crear espectáculos de gran poder visual, utilizándolas como si fueran de un compañero de baile. Tras estudiar la carrera de canto y mientras trabajaba en un teatro quiso ampliar horizontes y se apuntó a clases de interpretación y de trabajo con aéreos, trapecio y telas. “Descubrí la fuerza que tenía en los brazos, algo que le debo a las muletas”. Gracias a sus habilidades en ese terreno surgió su primer trabajo. Jess Curtis buscaba a alguien discapacitado que supiera de aéreos para montar un dúo con alguien sin problemas físicos. “Jess cambió mi mundo. Me descubrió un potencial para trabajar el movimiento desde otra óptica que yo nunca habría imaginado”.

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La semana pasada actuó en el Lliure de Montjuic con su nuevo espectáculo ‘Give me a reason to live’. Y estará en Madrid del 16 al 18 de febrero, para luego seguir con la gira “Monté el espectáculo inspirándome en pinturas de El Bosco (1450-1516). En ellas los mendigos y tullidos representan la codicia y el pecado”, recuerda la creadora. Para Cunningham existe una conexión entre lo que ocurría entonces, hace 500 años, y nuestra época. “Entonces les echaban la culpa y les marginaban. Hoy, en época de crisis, los políticos y los medios de comunicación tienden culpar de la situación actual a los sectores más débiles, ya sean refugiados, madres solteras, parados o discapacitados”.

Cunningham trabaja con dos tipos de fisicalidad diferentes, una más vertical como la de los personajes rectos y derechos de los cuadros de El Bosco y otra más inclinada, como la de los mendigos que pintaba. “La pieza indaga en el concepto de culpa y también el de empatía, que a menudo se confunde con la compasión”, ha destacado la coreógrafa y bailarina.

Cunningham suele trabajar en solitario. “Me gustaría trabajar con otros directores pero mis ideas acerca del movimiento son muy específicas y tienen que ver con mi propia manera de ver el mundo. La discapacidad te da otra óptica y te permite explorar cosas donde la danza no llega. Hay mucho por hacer y descubrir”.

https://www.youtube.com/watch?v=ThmMMgcpS-U

La banda sonora es de la compositora Zoe Irvine que mezcla piezas contemporáneas con fragmentos de obras corales de de Bach y de Jean Mouton, contemporáneo de El Bosco. “Esta coreografía supone un desafío tanto  físico como mental. Tiene algo de examen, como esas pruebas que la gente con discapacidad debe pasar para demostrar cómo es. Expone esa inestabilidad mental y emocional que supone vivir con la dicotomía entre las ganas de probar de lo que eres capaz de hacer y a la vez tener que demostrar tu incapacidad para poder seguir recibiendo ayudas”.

Más allá de El Bosco, en la obra hay ecos de pensamientos de Cunningham entorno a reforma del bienestar social realizada en su país. Es decir, los recortes sufridos por los más vulnerables. En la obra también resuena otro dramático hecho: el programa de eutanasia Aktion T4 para eliminar a los discapacitados en la Alemania nazi de Hitler.

Web oficial

http://www.clairecunningham.co.uk/

Todos sus espectáculos

http://www.clairecunningham.co.uk/productions/

Fuente: elperiodico.com

Montse M.

 

 
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Publicado por en febrero 13, 2017 en ARTE

 

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EXPOSICIÓN DE PINTURA


RAMON CASAS: LA MODERNIDAD ANHELADA

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Durante el año 2016 se conmemoró el 150 aniversario del nacimiento del pintor, dibujante y cartelista Ramón Casas, con siete grandes exposiciones monográficas en diversas poblaciones catalanas. Sitges (Barcelona), localidad a la que estuvo muy vinculado, se convirtió en cede de la exposición central del Año Ramón Casas. ‘Ramon Casas, la modernitat anhelada’ en el Museu Maricel de Sitges (Barcelona) se inauguró en noviembre y todavía puede ser visitada hasta el 19 de febrero. Quince días de oro para disfrutar de una muestra de 800 metros cuadrados organizada por Consorci del Patrimoni de Sitges, Fundació Bancària La Caixa, Generalitat de Catalunya, Departament de Cultura, Diputació de Barcelona, Ajuntament de Sitges y MNAC, que viajará al CaixaFòrum Madrid (7 de marzo – 11 de junio de 2017) y a Palma de Mallorca en 2017(5 de julio – 22 de octubre de 2017).

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Esta exhibición alberga obras de máxima calidad de coleccionistas privados y sin ser monográfica remarcará la “constante búsqueda de la modernidad” de Casas, desde que aprende a pintar hasta los últimos años cuando fue maestro de otros autores.

Hasta 19 Febrero 2017

Museu Maricel de Sitges (Fonollar, s/núm)

Precio combinado Museu del Cau Ferrat y exposición Ramon Casas: 10 €

Visitas guiadas: de martes a viernes, a las 17h en catalán y a las 18h en castellano.

LA EXPOSICIÓN UN REFERENTE DE LA OBRA DEL PINTOR

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http://museusdesitges.cat/es/exposiciones/ramon-casas-la-modernidad-anhelada

BIOGRAFÍA

RAMON CASAS

A Portrait Of A Gentleman.  Ramon Casas (1866-1932). Oil On Canvas.

Ramon Casas i Carbó (Barcelona, 4 de enero 1866 a 29 de febrero 1932) es uno de los pintores más representativos del Modernismo y de la pintura catalana hasta el primer tercio de siglo XX. Su obra se ha convertido en un referente fundamental por lo que tiene de representativo de la modernidad importada de París, la visión social, la descripción de las multitudes y la representación de una determinada visión de la figura femenina. Obras como Baile en el Moulin de la Galette (1890-1891, Museo del Cau Ferrat de Sitges), Plein air (1891, MNAC), Madeleine (1892, Museo de Montserrat), La carga (1899, Museo Comarcal de la Garrotxa, Olot ) o La sargantain (1907, Círculo del Liceo) constituyen auténticos iconos de la pintura catalana moderna.

Hijo de una familia de fabricantes de la alta burguesía, Ramón Casas es un pintor plenamente vocacional desde su adolescencia. A los 15 años, marcha en París, a estudiar en el taller de Carolus Duran, donde hace las primeras amistades artísticas, entre otros el pintor francés Maurice Lobre. Con Durand entra en contacto con la modernidad impresionista (Edourad Manet) y con la pintura hispánica, convirtiéndose en un gran admirador de Velázquez. En 1883, expone en el Salón del Champ de Mars, de París, un autorretrato traje de flamenco. Completa su formación artística pintando en Granada y en Madrid (1884 hasta 1885). Establecido de nuevo en Barcelona, posteriormente pinta también en Sevilla.

La estancia en París, donde comparte vivienda y estudio con Santiago Rusiñol en el Moulin de la Galette (1890-1892), marca un punto de inflexión en su evolución. Influido por Toulouse-Lautrec y Steinlen se convierte en un excelente dibujante de trazo seguro y característico, patente en las ilustraciones de los artículos que Rusiñol enviaba a La Vanguardia, las crónicas parisinas Desde el Molino (1890-1892). En la pintura al óleo se acerca más a Degas o Whistler, mostrando una fuerte personalidad en el que los críticos de la época califican como la “pintura en gris”, auténtica importación de la modernidad impresionista en la pintura catalana. Obras como Plein Air, Interior en el Moulin de la Galette o los retratos de Erik Satie y de Madeleine de Boisguillaume remachan su triunfo y lo consolidan como uno de los grandes pintores del momento.

De regreso a Barcelona, retoma la pintura de retratos y buscando nuevos escenarios pictóricos frecuenta Sitges, donde atrae Santiago Rusiñol. Casas se convierte en uno de los primeros inquilinos del Cau Ferrat y participantes en la primera y tercera Fiesta Modernista. Participa, con entusiasmo y buena recepción crítica, a las exposiciones organizadas en la Sala Parés Rusiñol-Casas-Clarasó. Asimismo inicia una visión de la vida colectiva con obras de marcado carácter social (Garrote vil, La carga), así como de la vida popular y elegante, patentes al conjunto pictórico que decora el Círculo del Liceo de Barcelona. El embarque de tropas y Baile de tarde son dos de las obras más significativas del momento (1896).

En 1897, toma parte en la fundación de la cervecería Els 4 Gats, junto con Pere Romeu, amigo de juventud y natural de Torredembarra, de donde procede su familia paterna. Con Romeo comparte una gran afición por el deporte, la bicicleta y el automóvil. Els 4 Gats se convierte en el centro de irradiación del Modernismo catalán y peninsular hasta su cierre (1903), por donde desfilan los artistas y todo tipo de personalidades. Ayuda también la promoción literaria y gráfica del local con la publicación homónima (1899). De 1899 a 1903 y junto con Miquel Utrillo, que actúa como director y redactor de la revista, crea Pèl & Ploma, sin duda la más importante publicación del Modernismo catalán e hispánico. Casas publica los retratos al carbón que realiza de las más destacadas personalidades de las artes, la política, las finanzas, los escenarios y la vida pública en general, un auténtico retablo de la sociedad de su tiempo. Coleccionista y mecenas, al desaparecer Pèl & Ploma financia Forma, dirigida y redactada también por Miquel Utrillo.

La vida artística de Ramón Casas, convertido en el más importante retratista de su tiempo, ocurre entre exposiciones y galardones (Paris, Barcelona, Madrid, Viena, Munich…), viajes y el trabajo en su taller, instalado en el señorial edificio del Paseo de Gracia, 94 desde 1894. Hacia 1897, inicia la producción cartelística que le otorgará una gran popularidad, ya que trata todo tipo de temas, uniendo el valor artístico al efecto publicitario; los carteles de Codorniu, Anís del Mono, carreras de motor, los certámenes y eventos barceloneses, las campañas sanitarias son algunos de los mejores ejemplos. En 1900, pasa una larga temporada en París, pero de signo muy diferente de la bohemia de Montmartre. En 1905, se traslada a Madrid, donde recibe el encargo de realizar un retrato del rey de España. El año siguiente un hecho capital marca un punto de inflexión determinante en su vida es el conocimiento de una joven vendedora de lotería, Julia Peraire, que se convierte en modelo, musa y el amor de su vida. El automovilismo se convierte en una de las grandes pasiones del artista, compartida con su pariente y amigo Pere Romeu.

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Julila Peraire

A raíz del conocimiento del industrial, coleccionista y filántropo Charles Deering realiza con él varios viajes a los Estados Unidos de América, donde es requerido como retratista y dibujante. Entre 1908 y 1921, viajan por España y Europa, convirtiéndose en Deering uno de sus mejores clientes y amigos. Es Casas quien atrae Deering para visitar Sitges, donde el estadounidense construye su residencia y un palacio para sus colecciones artísticas. Es el gran complejo artístico de Maricel, construcción ideada y dirigida por el ingeniero y crítico de arte Miquel Utrillo. Casas se convierte en una figura capital en la relación de Deering con el medio artístico durante estas dos décadas. Gracias a este hecho buena parte de su obra, tanto de la época de París como posterior, se encuentra en varios museos y colecciones públicas y privadas norteamericanas (Chicago y Miami, especialmente).

En 1917, Deering adquiere el castillo de Tamarit y encarga su rehabilitación y decoración a Ramon Casas. El hecho de frecuentar la región hace que Casas devuelva ocasionalmente a la pintura de paisajes. Cuando en 1921 Deering decide marcharse a EEUU y llevarse su colección de arte, vende a precio simbólico su residencia de invierno de Maricel en Ramon Casas quien, a su vez, hace legado testamentario a su hermana (actual Can Rocamora).

Durante la Gran Guerra, Ramón Casas toma partido, como la mayor parte de artistas e intelectuales del país, a favor de la causa aliada debido a su convicta francofilia, participando en actividades y visitando el frente de guerra. Los últimos años de la vida transcurren entre las exposiciones –retomadas desde 1921 las Rusiñol-Casas Clarasó en la Sala Parés ya como una tradición de cada temporada-; su domicilio de Sant Gervasi, donde vive con Julia, con quien finalmente ha contraído matrimonio después de años de convivencia (1922), y el monasterio de Sant Benet de Bages, propiedad de la familia, que el artista ha hecho remodelar como su vivienda y taller. En San Benet, pinta varios retratos e interiores ambientados en las dependencias del monasterio.

Desde el medio artístico, Casas está considerado como una importante figura del Modernismo, que es el pasado inmediato, y como el gran retratista de la burguesía catalana. La muerte de su gran amigo Santiago Rusiñol (1931) le golpeó anímicamente. Ramon Casas muere en su casa barcelonesa de Sant Gervasi el 29 de febrero de 1932 y es enterrado en el Cementerio de Montjuïc.

Son muchas las colecciones públicas y privadas que acogen obras de Ramon Casas. La obra del artista se encuentra principalmente, en el Museo Nacional de Arte de Catalunya, Museo del Cau Ferrat (Sitges) Museo de Montserrat así como también en el Museo Comarcal de la Garrotxa (Olot), el Museo Víctor Balaguer (Vilanova y la Geltrú) y el Museo del Modernismo (Barcelona), figurando también en las colecciones permanentes de otros museos y colecciones públicas y privadas del país.

En España su pintura hace parte del Museo Centro de Arte Reina Sofía y la Colección Carmen Thyssen, entre otros. En los Estados Unidos de América sus cuadros figuran en la Universidad de Nortwestern (IL), en Miami State y en otras diversas colecciones particulares y públicas.

La biografía la copié de una página web que no recuerdo. Me gustó y está muy bien trabajada. Siento no poder poner el enlace.

Montse M.

 
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Publicado por en febrero 2, 2017 en ARTE

 

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¿QUIÉN MUEVE EL MUNDO?


WORLD PRESS PHOTO 2016

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Hope for a New Life de Warren Richardson

Bajo el lema «Ver y entender», World Press Photo 16 presenta las 155 fotografías que han recibido el prestigioso premio internacional de fotoperiodismo. Con esta exposición la Fundación Photographic Social Vision, con el apoyo de la Fundación Banco Sabadell, quiere resaltar el valor y los retos del fotoperiodismo, y profundizar en las temáticas de los proyectos ganadores., lo mejor del fotoperiodismo con el concurso internacional World Press Photo, una exposición que se podrá visitar en el (CCCB). Muchas de las fotografías están relacionadas con el drama de la inmigración.

Raheleh, who was born blind, stands behind the window in the morning. She likes the warmness of the sunlight on her face. Photo: Zohreh Saberi

Into the Ligth  de Zohreh Saberi

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Waiting to register de Matic Zorman

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Douma’s Children, Syria de Abd Doumany

La muestra, que se ha convertido en una cita indispensable de la cultura y el periodismo visual en Barcelona, podrá verse en el CCCB (Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona) hasta el 11 de diciembre.

“Una oportunidad para emocionarse, informarse, entender o cuestionarse la realidad que nos rodea.”

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In the Same Boat de Francesco Zizola

Las fotografías ganadoras han sido escogidas entre las 82.951 imágenes que se han presentado a concurso, enviadas por 5.775 fotógrafos de 128 países. Los 45 premios de las ocho categorías del concurso han recaído en 42 fotógrafos de 21 nacionalidades diferentes.

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Reporting Europe’s Refugee Crisis de Sergei Ponomarev

La fotografía ganadora de este año es Hope for a New Life, del fotógrafo australiano Warren Richardson, donde podemos ver como un bebé es entregado a través de un agujero en una barrera de alambre a un refugiado sirio que ha conseguido cruzar la frontera de Serbia en Hungría.

Horario

10 noviembre – 11 diciembre 2016

De martes a jueves 11.00 – 20.00
Viernes 11.00 – 21.00
Sábado y domingo 10.00 – 21.00

Cerrado los lunes no festivos

Precio

6€ / 4€ reducido

Comprar entradas

Visitas comentadas

Visitas guiadas para todos los públicos
Todos los miércoles a las 18.30

Grupos cerrados
Visitas a puerta cerrada para empresas y entidades
10 € / persona para grupos de 10 a 40 personas

Más información y reservas
marina.balague@photographicsocialvision.org

http://www.cccb.org/es/exposiciones/ficha/world-press-photo-16/224876

Montse M.

 
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Publicado por en noviembre 23, 2016 en ARTE

 

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¿QUÉ SE MUEVE EN ESPAÑA?


EXPOSICIONES MES DE OCTUBRE

BILBAO

PANORAMAS DE LA CIUDAD

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Le mouline de la  galette

 Hasta el 23 de octubre en el Museo Guggenheim

A comienzos del siglo XX, París era la capital de la vanguardia. Artistas llegados de todo el mundo se asentaron en la Ciudad de la Luz, donde crearon nuevas formas de arte y literatura, coincidiendo con el desarrollo económico, social y tecnológico que estaba cambiando la ciudad. Fue en París donde Picasso y Georges Braque transformaron radicalmente las convenciones de la pintura, Robert Delaunay creó sus armoniosas composiciones de color, Vasily Kandinsky abrió nuevos caminos en la abstracción y Constantin Brancusi reinventó el modo de presentar la escultura en el espacio.

La exposición Panoramas de la ciudad, ofrece un recorrido apasionante por este momento de ebullición creativa, con importantes pinturas y esculturas del siglo pasado, que aùn hoy ejercen una gran influencia en el arte. La muestra abarca los comienzos del siglo XX y la Segunda Guerra Mundial, centrándose en los movimientos fundamentales del arte moderno (desde el Cubismo hasta el Orfismo pasando por el Surrealismo) y en los artistas de la Escuela de París (École de Paris). Unas obras de arte que querían romper con estéticas conservadoras y transformar la percepción de la vida cotidiana en la ciudad moderna.

http://panoramas.guggenheim-bilbao.es/

MADRID

CAILLEBOTTE, PINTOR Y JARDINERO

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Remero con sombrero de copa

Hasta el 30 de octubre en el Museo Thyssen-Bornemisza

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta en colaboración con el Musée des Impresionnismes Giverny una exposición dedicada al artista Gustave Caillebotte (París, 1848 – Petit Gennevilliers, 1894), una de las figuras menos conocidas y a la vez más originales del movimiento impresionista. Caillebotte, pintor y jardinero muestra la evolución temática y estilística del pintor francés, desde sus inicios en el París moderno trazado por el barón Haussmann hasta su pintura de jardines y campestre, que ocupará una parte muy importante de su producción artística.

La muestra presenta un total de 64 obras procedentes de colecciones privadas y museos internacionales como el Marmottan Monet de París, el Brooklyn Museum de Nueva York y la National Gallery of Art de Washington D.C. La obra expuesta está dividida en cuatro etapas vitales: El París de Haussmann, un universo mineral; Vacaciones en Yerres; El Sena y los viajes a Normandía y El jardín de Petit Gennevilliers.

http://www.museothyssen.org/thyssen/home

VALLADOLID

ÚLTIMOS FUEGOS GÓTICOS. ESCULTURA ALEMANA DEL BODE

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Hasta el 6 de noviembre en el Museo Nacional de Escultura

Esta exposición revela la fuerte personalidad que manifestó la escultura alemana en torno a 1500. Conocido como el “tiempo de Durero”, este período fue también la Edad de Oro de la escultura, en la que maestros como Erasmus Grasser, Veit Stoss, Tilman Riemenschneider, Hans Thoman o Hans Leinberger encarnan en sus tallas y relieves el ardor creativo con que se despidió la civilización gótica. Retablso de mader de tilo, sin pintura, con formas delicadas pero con gran expresividad, que reflejan la incertidumbre espiritual de finales del Medievo. A su belleza y singularidad, este conjunto añade el atractivo de proceder de uno de los museos de escultura más ricos y antiguos de Europa, el Bode Museum de Berlín. Su presentación en el Museo Nacional de Escultura ofrece una excepcional ocasión de conocer este rico patrimonio con unas cincuenta obras.

http://www.mecd.gob.es/mnescultura/inicio.html;jsessionid=9DDA098D7A0282953019A27B89511594

Montse M.

 

 
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Publicado por en octubre 6, 2016 en ARTE

 

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¿QUÉ SE MUEVE EN ESPAÑA?


EXPOSICIONES VARIAS

BARCELONA

LOS MADRAZO Y CATALUÑA

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Hasta el 30 de septiembre todavía se puede visitar la exposición Los Madrazo y Cataluña en la Fundació Fran Daurel. Una muestra que recorre la pintura española desde el neoclasicismo, el romanticismo y el impresionismo, con retratos familiares y de la aristocracia del momento.

La unión de la fundación de Arte Contemporáneo Fran Daurel de Barcelona con la fundación AMYC de Madrid, ha permitido que por primer vez se expongan en la capital catalana 67 obras pintadas por los Madrazo, la dinastía más importante en la pintura de los siglos XIX y XX en España. José (1781-1859) fue pintor de cámara de Carlos IV y Fernando VII, y su hijo Federico (1815-1894) lo fue de Isabel II. Ambos estuvieron, además, al frente del Museo del Prado y de la Real Academia de San Fernando. Luis (1825-1897), el hijo pequeño que primero trabajó por toda Europa y a su regreso a España se especializó en retratar a la burguesía. También forman parte de la exposición los hijos de Federico, Raimundo (1841-1920), el que más éxito comercial cosechó y Ricardo (1852-1917).

Aunque principalmente residieron en Madrid, con estancias en Roma y París, también tuvieron una estrecha relación con Catalunya, sobre todo debido a la boda de Marià Fortuny con Cecilia de Madrazo, hija de Federico. También cultivaron amistades catalanas a las que retrataron y, además, se relacionaron con artistas de aquí.

y reúne piezas de los artistas citados más otros tres Madrazo: Raimundo Cinco pintores, tres generaciones y 67 obras que recorren desde el neoclasicismo al impresionismo sin olvidar el romanticismo y que son en su conjunto un retrato de la dinastía: los Madrazo son los protagonistas de las obras tanto por firmarlas como por ser el objeto pintado; y son también un retrato de la burguesía, la aristocracia y la realeza del momento.

FUNDACIÓ FRAN DAUREL
POBLE ESPANYOL DE BARCELONA. (Montjuïc)
Av. Francesc Ferrer i Guàrdia, 13
08038 BARCELONA
Tel. 93-4234172
Abierto los lunes de 10:00 a 18:30 y de martes a domingo de 10:00 a 19:00 h.
Pintura de Ricardo de Madrazo y Garreta, «Luisito Daza de Madrazo»

MADRID

LAS LÍNEAS DEL DESTINO

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Hasta el 25 de septiembre

Una tirada de tarot es la protagonista del último trabajo de Marina Vargas (Granada 1980). El programa Conexiones, una iniciativa del Museo ABC y la Fundación Banco Santander, permite acercarse al dibujo contemporáneo dando la oportunidad a destacados creadores de desarrollar un trabajo inédito partiendo de dos obras escogidas de los fondos de ambas instituciones. La exposición Las líneas del destino nos descubre el particular mundo de Marina Vargas —donde enlaza lo popular y lo culto— que le ha permitido destacar y hacerse un hueco en el panorama internacional. Este proyecto parte de una tirada de cartas que le hizo una santera cubana. Las nueve figuras del tarot que aparecieron en esa sesión han sido interpretadas con su característico vocabulario y ampliadas en grandes soportes de madera. Es una de las pocas creadoras de su generación que ha construido un lenguaje propio, un mundo de iconografías con elementos antagónicos: el barroco y el pop, o el surrealismo y el simbolismo. En su universo —particular, único— conviven referencias a la cultura popular mexicana, la brujería africana, la artesanía caribeña o la tradición católica de su Andalucía natal. Vargas escogió dos jarrones idénticos que conectaron a la perfección con el 2 de copas de la baraja del tarot.

http://museo.abc.es/exposiciones

HIROSHI SUGIMOTO

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BLACK BOX

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Hasta el 25 de septiembre

La Fundación Mapfre en Madrid acoge desde este martes 21 de junio la exposición «Black Box», del fotógrafo japonés Hiroshi Sugimoto, que muestra un recorrido por 41 obras del artista caracterizadas por su gran belleza visual y un elevado virtuosismo técnico.

Hiroshi Sugimoto reside en Nueva York. Su obra aparece con frecuencia como series y su estilo se puede considerar minimalista y conceptual. Su fotografía “Boden Sea” fue elegida por U2 como portada de su disco No Line on the Horizon.

La exposición se divide en cinco secciones:

«Theaters», comienza en 1976 y agrupa fotografías tomadas en autocines con un mecanismo singular en el uso de la exposición de la cámara que ha dado lugar a una pantalla en blanco.

«Lightning Fields», que comienza en 2006 y cuyas imágenes se toman sin cámara pero registradas por descargas eléctricas en los negativos.

«Dioramas» (1976 y 2012), compuesta por montajes fotográficos de paisajes prehistóricos tomados en el Museo de Historia Natural de Nueva York, donde destacan las imágenes de animales embalsamados.

«Portraits» (1994-1999), formada por fotografías de estudio tomadas a personalidades históricas en cera, entre las que destaca una pieza de Enrique VIII con sus seis esposas.

Por último «Seascapes», que comenzó en 1980 y sigue en proceso, recoge fotografías de paisajes del océano y del cielo que «fusionan representación y abstracción» en varios lugares del mundo, como explica la fundación.

http://exposiciones.fundacionmapfre.org/exposiciones/es/hiroshisugimoto/exposicion/

SOLIDEZ Y BELLEZA. MIBUEL BLAY EN LE MUSEO DEL PRADO. EDIFICIO VILLANUEVA

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Hasta el 5 de octubre

El Museo del Prado celebra el 150 aniversario del nacimiento de Miguel Blay (Olot, 1866 – Madrid, 1936), uno de los escultores más destacados del panorama artístico español de finales del siglo XIX y primer tercio del siglo XX, con la exhibición de varias obras significativas en su trayectoria reflejo de las diversas corrientes de la escultura de su época, fundamentalmente del Realismo, Modernismo y Simbolismo.

Junto a grupos escultóricos destacados como Al ideal o Eclosión que obtuvieron el máximo galardón en las diversas Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, en la muestra se presentarán dibujos, varias medallas y una pequeña agenda de notas de 1902, que mostrarán sus diversas etapas creativas, en las que buscó trasmitir con serenidad y equilibro las emociones, la naturalidad y la belleza.

Formado en París, ciudad a la que estuvo muy vinculado, allí obtuvo la medalla de honor en la Exposición Universal de 1900, también concedida a Benlliure, y fue nombrado Caballero de Honor de la Legión Francesa  en 1901. Tuvo estudio en Madrid desde 1906, donde fue reconocido como un excelente escultor, fue miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Profesor de la Escuela Superior de Pintura, Escultura y Grabado de Madrid y, de 1925 a 1932, Director de la Academia de España en Roma, ciudad en la que había completado su formación juvenil. Realizó encargos privados y oficiales, y destacados monumentos en varios países iberoamericanos.

En las salas 60 y 47 del edificio Villanueva

https://www.museodelprado.es/actualidad/exposicion/solidez-y-belleza-miguel-blay-en-el-museo-del/d6b7afc1-e179-4e29-b522-515804380aa2

Enrique Simonet

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Hasta el 16 de Octubre

El Museo del Prado conmemora el 150 aniversario del nacimiento de Enrique Simonet con una pequeña muestra.

La generosa donación de la familia del artista y el término de la restauración del lienzo Flevit super illam, el ejemplo más significativo de la pintura española de asunto religioso de su tiempo, han permitido presentar un conjunto de obras de Enrique Simonet, uno de los pintores españoles de mayor interés de su generación, en el año del 150 aniversario de su nacimiento.

Junto a Flevit super illam y la medalla que se otorgó a esta obra en la exposición de Bellas Artes e Industrias Artísticas de 1896 en Barcelona, en esta muestra se exhiben dos óleos, un Autorretrato y el Retrato del padre del artista, y cinco cuadernos de dibujo de su primera época donados por la familia del pintor.

https://www.museodelprado.es/actualidad/exposicion/enrique-simonet/76bce8d4-c70a-4b3e-9761-5d0acedc8498

SAN SEBASTIÁN

1516-2016. TRATADOS DE PAZ

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Hasta el 2 de octubre

1516-2016. Tratados de paz es la exposición principal del proyecto Tratado de paz de San Sebastián 2016 y está dividida entre San Telmo Museoa y Koldo Mitxelena Kulturunea. Con motivo de la capitalidad cultural europea de San Sebastián se han reunido más de 600 obras de artistas de la talla de Goya, Rubens, Murillo, Zurbaran, Ribera, Picasso, Le Corbusier…, provenientes de 21 museos de todo el mundo.

Tratado de paz aborda las representaciones de la paz en la historia del arte, la cultura y el derecho. La exposición está dividida en los 9 ámbitos en los que la Escuela Ibérica de la Paz dividía cualquier tratado de paz: territorios, historia, emblemas, milicia, muertos, población, economía, armas y tratados. Los primeros cinco ámbitos son los que se exponen en San Telmo Museoa. El resto se pueden ver en el Centro Cultural Koldo Mitxelena.

10:00-20:00 (de martes a domingo)

http://www.santelmomuseoa.eus/index.php?option=com_flexicontent&view=items&id=10219&Itemid=69&lang=es

http://kmk.gipuzkoakultura.eus/es/sala-de-exposiciones/exposiciones/1690-1516-2016-tratados-de-paz

Montse M.

 
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Publicado por en septiembre 17, 2016 en ARTE

 

¿QUÉ SE MUEVE EN ESPAÑA?


EXPOSICIONES QUE ESTÁN LLEGANDO A SU FIN, EN  BARCELONA, MADRID Y VALLADOLID

Y DOS ÚLTIMAS REPRESENTASIONES EN EL FESTIVAL DE MÉRIDA

BARCELONA

BRUCE DAVIDSON

Hasta el 28 de agosto de 2016

Bruce Davidson-Birmingham, Alabama, 1963

En la Sala Garriga i Nogués de la Fundación Mapfre todavía puede verse la primera retrospectiva en España sobre Bruce Davidson, uno de los más destacados fotógrafos de la fotografía humanista y miembro de la agencia Magnum. La muestra es un recorrido por la larga trayectoria del artista presentándonos algunas de sus más celebres series.

Bruce Davidson comenzó una apasionada relación con la fotografía a los 10 años, cuando su madre le montó un cuarto oscuro en casa y él empezó a fotografiar las calles de su barrio y sus gentes. Su obra es una visión única de la evolución de la sociedad del SXX, en particular en los Estados Unidos y un compromiso ético ante las duras realidades de entornos precarios y vulnerables en los que se desenvuelve la existencia cotidiana de las personas fotografiadas. Las personas son el centro de su fotografía y el artista nos presenta diversas realidades en distintos países. Las tensiones sociales en Inglaterra, los mineros de Gales, las bandas callejeras de Brooklyn, la lucha de los derechos humanos en Estados Unidos o la dureza de la vida en Harlem son algunos de sus temas.

En las dos últimas décadas, Bruce Davidson ha centrado todo su trabajo personal en el tema de la naturaleza compartiendo espacio con la urbe. Hoy en día sigue trabajando con el mismo entusiasmo de juventud en el Museo de Historia Natural, próximo a su casa.

https://www.fundacionmapfre.org/fundacion/es_es/cultura-historia/nuestras-salas/exposicionesbarcelona/

MAKING AFRICA EN EL CCCB

Hasta el 28 de agosto

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La exposición presenta la obra de más de 120 artistas y creadores africanos e ilustra cómo el diseño promueve los cambios económicos y políticos. «Making Africa» habla, desde África, de un nuevo continente «en construcción» y subraya las posibilidades por encima de los problemas. Una generación que alrededor de la cultura, y a través de la creación y el diseño, reivindica su derecho a construirse en libertad, sin tutelas externas y contra los estereotipos proyectados desde Occidente. «Making Africa» muestra los proyectos de artistas y diseñadores africanos o de procedencia africana que se dirigen a una audiencia global y proporcionan al mundo una nueva perspectiva de su continente. A menudo trabajan en varias disciplinas a la vez y rompen con las definiciones convencionales de diseño, arte, fotografía, arquitectura y cine.

http://www.cccb.org/es

JACQUELINE

Hasta el 4 de septiembre

ICULT  JACQUELINE PICASSO

El Museu Picasso de Barcelona rinde homenaje a Jacqueline Picasso (también conocida como Jacqueline Roque antes de su matrimonio en 1961), treinta años después de su muerte. La musa y modelo de Pablo Picasso se convierte en la protagonista: las obras y documentos de la exposición muestran su faceta de mecenas y fotógrafa documentalista privilegiada de la vida íntima del artista y su entorno. La mayor parte de las piezas fueron donadas por ella misma al museo y muestran a la mujer tras el artista.

http://www.bcn.cat/museupicasso/es/exposiciones/exposicion-jacqueline.html

VIVIAN MAIER. IN HER OWN HANDS

Hasta el 10 de septiembre de 2016

Vivian Maier-Niños en un coche

En 2007, un joven investigador de la historia de Chicago, John Maloof, compró en una pequeña subasta de barrio las pertenencias abandonadas de una anciana totalmente desconocida, llamada Vivian Maier. Lo que nadie podía imaginar era que su armario cobijaba una obra fotográfica inmensa, de más de 120.000 negativos, filmaciones caseras y grabaciones sonoras, que iba a cambiar la historia de la fotografía.

La exposición “Vivian Maier. In Her Own Hands”, reúne fotografías más de 80 fotografía tanto en blanco y negro como en color, que muestran escenas callejeras de las ciudades de Nueva York y Chicago a lo largo de los años 1950 a 1980.  Sus escenas captan de manera espontánea las singularidades de la “América urbana” de la segunda mitad del siglo XX con un gran sentido de la composición, de la luz y del entorno, mostrando una gran habilidad para comunicar tanto el humor como la tragedia.

La obra de Vivian Maier ya ha quedado inscrita en la historia de la fotografía del siglo XX, al lado de grandes nombres de la denominada Street Photography, como Helen Levitt, William Klein o Garry Winogrand.

Vivian Maier (1926 – 2009)

Nacida en Nueva York, de madre francesa y padre austro-húngaro, trabajó de niñera durante cuarenta años. En sus días libres Maier se dedicaba a hacer fotografías que luego escondía celosamente de los ojos de los demás. Su modesto salario solo le llegaba para comprar carretes, pero no para revelarlos. Su vida es un misterio. Se dice que murió en la más absoluta pobreza viviendo en la calle por algún tiempo, hasta que los niños que había cuidado en la década de los 1950 le compraron un apartamento y pagaron sus facturas hasta el día de su muerte en 2009.

http://www.colectania.es/

Más información en: http://www.vivianmaier.com/

NOCHES MÁGICAS EN LA CASA BATLLÓ

Hasta el 24 de Septiembre

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Este verano el Terrat del Drac se convierte en el escenario más elegante del corazón de la ciudad. Vive la velada más íntima, fresca y distinguida en lo alto de la joya arquitectónica de Gaudí. La atmósfera nocturna más singular combina arte, música en directo y copas. ¡El dragón de la leyenda de Sant Jordi será tu único cómplice y testigo!

INFORMACIÓN ÚTIL:

De miércoles a sábado, a partir de las 21.00 horas (Entrada Noches Mágicas) o 20:00 horas (Entrada Casa Batlló + Noches Mágicas)

TICKETS:
• Casa Batlló + Noches Mágicas: 36 € (visita completa con SmartGuide + música en directo + 2 copas)
• Noches Mágicas: 29 € (música en directo + 2 copas)

AVISO: En caso de condiciones meteorológicas adversas, Casa Batlló se verá obligada a suspender la experiencia al aire libre, brindando la posibilidad de concertar nueva fecha. Consulte las condiciones legales. Lamentablemente y debido a la arquitectura original del edificio, el acceso al Terrat del Drac no está habilitado para personas de movilidad reducida. Rogamos acepte nuestras más sinceras disculpas. Para cualquier duda o aclaración contáctenos a través de info@casabatllo.cat

https://www.casabatllo.es/noches-magicas/

MADRID

EL BOSCO. LA EXPOSICIÓN DEL V CENTENARIO

Hasta el 11 de septiembre

El Bosco-El Jardín de las Delicias detalle

El Museo del Prado presenta, con el patrocinio en exclusiva de la Fundación BBVA, hasta el 11 septiembre de 2016, la exposición que conmemora el V centenario de la muerte del Bosco, una ocasión irrepetible para disfrutar del  extraordinario grupo de las ocho pinturas de su mano que se conservan en España junto a excelentes obras procedentes de colecciones y museos de todo el mundo. Gracias al interés que mostró por el Bosco Felipe II, España conserva el mayor conjunto de originales suyos y todos ellos figuran en la exposición. Se trata del repertorio más completo del Bosco, uno de los artistas más enigmáticos e influyentes del Renacimiento, que invita al público a adentrarse en su personal visión del mundo a través de un montaje expositivo espectacular que presenta exentos sus trípticos más relevantes para que se puedan contemplar tanto el anverso como el reverso.

El Bosco. La exposición del V centenario se centra en las obras originales de este artista y se articula en siete secciones. La primera: El Bosco y ‘s-Hertogenbosch, nos sitúa en la ciudad donde transcurrió su vida. Dado el carácter monográfico de la muestra, y ante la dificultad que plantea fijar su cronología, se ha distribuido su producción en seis secciones temáticas: Infancia y vida pública de Cristo, Los santos, Del Paraíso al Infierno, El jardín de las delicias, El mundo y el hombre: Pecados Capitales y obras profanas, y La Pasión de Cristo.

https://www.museodelprado.es/actualidad/exposicion/el-bosco-la-exposicion-del-v-centenario/f049c260-888a-4ff1-8911-b320f587324a

CON ESTILO PROPIO, LOUISE DAHL-WOLFE

Exposición prorrogada hasta el 18 de septiembre.

louise dahl wolfe Self Portrait-Gemelas en la playa Nasáu Bahamas 1949

Louise Dahl-Wolfe (1895-1989) es una de las grandes fotógrafas estadounidenses. Modernizó la fotografía de moda de su tiempo y el retrato hollywoodiense, y su obra tuvo un gran impacto en la cultura visual americana. Sus imágenes compitieron con las de prestigiosos fotógrafos de la época, como Edward Steichen, e influyeron en otros como Richard Avedon.Esta exposición —la primera muestra individual fuera de Estados Unidos— cubre todas las etapas de su producción fotográfica: retrato, desnudo y fotografía de moda en blanco y negro y en color.  Entre su nómina de retratados figuran personalidades de la época como Vivien Leigh, Marlene Dietrich, Orson Welles o André Malraux, entre otros muchos.

El grueso de su carrera lo desarrolló en la revista Harper’s Bazaar entre 1936 y 1958, años en los que trabajó junto a un equipo excepcional que supo dejar libertad y estimular a la artista, y que situó a la revista en un lugar central entre las publicadas en esa época.

Louise Dahl-Wolfe , Suzy Parker en el Sena, traje de Balenciaga. París, Francia, 1953

Louise Dahl-Wolfe , Yves Montand en su estudio. París, Francia, 1946

Louise Dahl-Wolfe , Gemelas en la playa. Nasáu, Bahamas, 1949

Azotea del Círculo de Bellas Artes

Si vas a ver la exposición puedes aprovechar a subir a la azotea del Círculo de Bellas Artes (CBA) cuenta con una de las mejores y más espectaculares vistas de Madrid, y ofrece a sus visitantes una perspectiva inigualable del paisaje urbano de la ciudad. Para acceder a la azotea, el CBA dispone de un ascensor con puertas de cristal en su última planta, que desde el vestíbulo permite el acceso directo a este privilegiado espacio. Los tickets se pueden adquirir en la recepción del edificio.

http://www.circulobellasartes.com/

PHotoEspaña 2016

Festival internacional
de fotografía y artes visuales

Tras abordar la fotografía española y latinoamericana, PHotoEspaña encara su decimonovena edición proponiendo una panorámica sobre el medio fotográfico en el continente europeo.

El programa artístico del Festival presenta 94exposiciones comisariadas por diferentes especialistas con las que pretende analizar el concepto mismo de Europa: qué es, qué ha sido o cómo se está configurando el continente en términos sociales, geográficos, políticos, económicos o creativos.

http://www.phe.es/

VALLADOLID

Hasta el 28 de agosto

W. Eugene Smith

Sala de San Benito C/ de San Benito, s/n

Eugene Smith-Spain

El espacio ubicado en el antiguo monasterio de San Benito en Valladolid se dedica en exclusiva, desde 1994, a la fotografía. Cuenta con una superficie total de 400 metros cuadrados y 145 metros lineales de pared. De martes a domingo y festivos, de 12 a 14 y de 18.30 a 21.30 horas. Entrada libre.

Por primera vez en España “Capturar la esencia” muestra, con más de 60 fotografías, la obra de Eugene Smith, un mito de la historia de la fotografía y del periodismo.

Era un genio de la comunicación que entró en conflicto con todos los medios de comunicación de su época. Especialmente con el más famoso de todos: Life. Smith inventó el ensayo fotográfico, que era un conjunto de imágenes mucho más estudiado que la simple ilustración de un artículo. Cada fotografía comunicaba algo específico y se conectaba con la siguiente en un discurso que se acercaba más al concepto de ensayo en literatura.

http://www.info.valladolid.es/enlaceev?idArticulo=332819&docDescarga=DOSSIER_EUGENE_SMITH.pdf&idLugar=95&migas=249025&evRelac=cultura&dirMaps=Calle%20de%20San%20Benito%20,47003%20Valladolid

Frida Kahlo. Fotografías de Leo Matiz en La Casa Azul

Sala de las Francesas C/ de Santiago, 20

Leo Matiz-Fridha Kahlo

La sala se dedica a exposiciones de arte en el marco incomparable que ofrece la antigua iglesia de Las Francesas, el centro de Valladolid. De martes a domingo, de 12 a 14 y d 18.30 a 21.30 horas. Entrada libre.

La exposición muestra a la enigmática artista Frida Kahlo en medio centenar de imágenes realizadas por Leo Matiz, y que provienen de los fondos de la Fundación Leo Matiz, así como publicaciones de las vanguardias de la época, algunas obras de autores que se interrelacionan y aportan claves de la escena mexicana de la época. Una oportunidad para acercarse a uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX, que expuso en el MoMA en 1949.

http://www.info.valladolid.es/web/culturayturismo/enlaceev?idArticulo=332828&docDescarga=NoHayDocDetalle&migas=248716&evRelac=cultura&dirMaps=Calle%20de%20Santiago%2020,47001%20Valladolid%20Espana

FESTIVAL DE MÉRIDA

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Clásico. Moderno. Intemporal. Tres adjetivos que definen lo que es hoy el Festival de Teatro Clásico de Mérida: un acontecimiento cultural que gravita en un espacio tiempo donde pasado y futuro confluyen en el presente. Y ese presente es la 62 edición que todavía puede disfrutarse con dos obras.

Del 17 al 21 de agosto de 2016

Los Pelópidas de Jorge Llopis

En este 2016 se cumplen 50 años del estreno de Los Pelópidas, la obra más simbólica del autor alicantino Jorge Llopis. Es una muy buena ocasión para recuperar y rendir homenaje a esta gran comedia, caricatura de la tragedia griega que bebe de los grandes modelos del género paródico y versificado, que busca la comicidad verbal en el retruécano, la ocurrencia y el ingenio de su estructura dramática.

Llopis ofrece una revisión personalísima de los dramas griegos, construyendo una sátira desmitificadora, alegre y maravillosamente disparatada.

Del 24 al 28 de agosto de 2016

Marco Aurelio de Agustín Muñoz Sanz

Estamos en un mundo en el que afloran constantemente conflictos que sacuden al hombre y que están provocados por el difícil equilibrio entre la razón y el fanatismo. La situación no es nueva y viene siendo desde el origen de la Humanidad la causa de las mayores tribulaciones que nos azotan. En el segundo siglo de nuestra historia el emperador de Roma, Marco Aurelio, tuvo que enfrentarse al dilema de gobernar el Imperio desde la razón y la profundidad de su filosofía estoica y la presión de aquellos que cegados por ambiciones, supersticiones e intereses se consideraban los herederos de dioses y oráculos.

Nunca se ha llevado a la escena la peripecia vital de uno de los más grandes emperadores de la historia, y sus ideas, su filosofía, su tragedia vital y la herencia que puede llegar hasta nosotros, se recuperan en este montaje Marco Aurelio.

http://www.festivaldemerida.es/

ARLES (FRANCIA)

SICILY & MARPESSA. FERDINANDO SCIANNA

Hasta el 27 de agosto

ferdinando-scianna y Marpessa

Si puedes hacer una escapadita al sur de Francia sería una buena oportunidad para conocer Arles y disfrutar de esta exposición fotográfica.

El fotógrafo Ferdinando Scianna tiene un don para capturar el instante y convertirlo en algo ancestral, especialmente cuando se trata de representar los ritos y costumbres de su Sicilia natal. Henri Cartier-Bresson descubrió su talento y le pidió que se uniera a la agencia Magnum.

La modelo Marpessa, por su parte, no es siciliana, sino una exótica mezcla de sangre holandesa y de Surinam, pero representó como nadie la belleza mediterránea en las campañas que el fotógrafo realizó para Dolce & Gabbana cuando la firma daba sus primeros pasos en el mundo de la moda. Ahora, la galería de arte Anne Clergue (en Arles, Francia) ha querido dedicar su gran exposición de verano a la poderosa química que se estableció en los años 80 entre la isla, el fotógrafo y la modelo.

 (del 5 de julio al 27 de agosto) narra en imágenes la arriesgada apuesta de un fotógrafo que, en su primera incursión en el difícil mundo de la fotografía de moda, decidió dejar de lado los escenarios estilizados y ambientó los delicados diseños de Dolce & Gabbana en carnicerías, barberías, casas de comidas y patios de vecinos.

El resultado fue espectacular (tanto, que su huella sigue viva en las campañas de la firma) y el rostro exótico y la mirada llena de fuerza de Marpessa la convirtieron en un icono de moda que, aún hoy, nos deja sin aliento.

http://www.anneclergue.fr/

Montse M.

 
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Publicado por en agosto 20, 2016 en ARTE