LOS BELLOS RETRATOS QUE PINTA LIDIA MASLLORENS

La Fundació Vila Casas acoge la exposición ‘Prova d’artista’ de la autora de Caldes de Malavella

https://vimeo.com/365315921

El azar es mi gran aliado. Tengo los pinceles, el papel, la pintura y el azar.

Lídia Masllorens

Lídia Masllorens (Caldes de Malavella, Girona, 1967) presenta Prueba de artista, una muestra ideada y dirigida por Glòria Bosch que reúne una veintena de obras de grandes dimensiones realizadas entre los años 2014 y 2019.

El título de esta muestra quiere transmitir los valores característicos de las pruebas de artista: la valentía y la experimentación que requieren y a las que invitan por haber sido realizadas sin miedo, ya que no son obras definitivas. Su creación parte de una brillante y acogedora sensación de libertad, ya que eso es lo que siente Lídia Masllorens en la etapa vital y profesional en la que se encuentra.

Por un lado, la exposición muestra los singulares “Retratos” y “No retratos”, la obra más conocida de la artista, donde se representan personajes masculinos y femeninos mediante la técnica del monotipo (técnica de impresión de la que sale un solo ejemplar. El artista no sabe cómo será su obra hasta que ve el resultado. Si no le gusta, a empezar de nuevo. Aprendizaje constante).

La muestra recoge una veintena de obras de gran formato, la mayoría rostros hermosos en acrílico sobre papel. En la serie ‘Retratos‘, son personas del entorno de la artista y los ‘No retratos‘, modelos de redes sociales o revistas. «La belleza me tiene fascinada», dice Masllorens.

Retrato inspirado en modelos de redes sociales o revistas.

Los rostros transmiten emociones como alegría, dolor, sufrimiento, decepción o esfuerzo. Los rostros de “Retratos” pertenecen a familiares y amigos de la artista. Estos retratos buscan la fidelidad al modelo y llevan como título el nombre de pila de la persona retratada;

Todas las de “No retratos” han sido extraídas de montajes fotográficos de magazines que muestran caras de mujeres y hombres ideales, fotos realizadas por ella y otras sacadas de las redes sociales.

Después, como complemento presenta la serie “Zoom”, con detalles aumentados de su obra donde pueden apreciarse efectos y defectos de la técnica, salpicaduras o pequeñas burbujas que permiten dar vida a sus personajes. Creaciones inéditas, fruto del actual momento experimental que está viviendo con entusiasmo Lídia Masllorens y su deseo de seguir explorando. «Se han abierto muchos caminos».

‘Trazo’ es un ejemplo de las pequeñas burbujas y transferencias, resultado de la monotipia.

Una burbuja de tinta se convierte en unos labios gigantes. Masllorens amplía detalles de sus obras para descubrir nuevas formas, como en ‘Llavi 3’.

BIOGRAFÍA

https://vimeo.com/365318767

Lídia Masllorens nació en Caldes de Malavella (Gerona) en 1967. Trabaja con pocas herramientas y muy sencillas: papel reciclado (elaborado expresamente para ella), pintura acrílica negra para paredes, un buen puñado de escobas, bayetas y trapos, metros de láminas finas de plástico, sus manos y una buena dosis de azar. «Correr riesgos es parte del proceso de trabajo. En una ocasión, un papel quedó pegado a un plástico, al separarlos, la pintura se había imprimido y vi unas texturas maravillosas. Ahí surgió mi interés por el monotipo», explica la autora ganadora del premio de pintura de la fundación en el 2013.

Habla apasionadamente de su obra, que crea en su gran taller-estudio de Cassà de la Selva (Girona).  Dibuja las primeras pinceladas sobre los plásticos grapados a la pared, secando el agua de cada pieza de papel antes de estamparla, moja de negro las bayetas y los pinceles gruesos, casi bailando descalza sobre la composición inacabada que permanece tumbada, totalmente entregada a sus manos… Y perfila ojos, rellena cabellos y sintetiza formas con movimientos amplios. Su hito personal es el minimalismo en las formas.

Han sido casi treinta años de dedicación en busca de oportunidades que le permitieran dar el salto hacia el éxito. Más de veinte años como docente de artes plásticas para estudiantes de ESO y bachillerato. Estudios de bellas artes, fotografía, grabado y escultura. Exposiciones en Girona y Barcelona. Pasión y devoción. Hace unos años todo cambió y el éxito por fin llamó a su puerta.

En 2013 Lídia Masllorens recibió el Premio de Pintura de la Fundació Vila Casas, y este galardón le ha permitido llegar donde deseaba. Una oportunidad soñada una y mil veces. Desde 2016, sus obras se han expuesto en galerías y ferias internacionales de prestigio, en lugares como París, Londres, Los Ángeles, Dinamarca, Bélgica y Japón.

En la muestra, Lídia Masllorens, ofrece rostros en gran formato creados sobre papel. Explica que, cuando era joven, solía ir por Barcelona con la cámara colgada al cuello y hacía muchas fotos. Y un día se dio cuenta de que repetía un mismo tema: las caras de la gente de la calle. Con el tiempo decidió traspasar ese concepto a la pintura.

La temática ha experimentado variaciones. Al principio, Lídia Masllorens trataba de conseguir un retrato fiel a los rasgos físicos. Más tarde se sintió atraída por la dimensión dramática y teatral de las emociones, y de este interés surgieron unos retratos universales, porque todos somos emocionales, todos gesticulamos en función de nuestros sentimientos. Poco después, la artista optó por el gran formato, movida por la necesidad de retratar con una pincelada descontrolada, dejando de lado la dimensión más mental y detallista.

Su primera obra de grandes dimensiones fue un retrato de Miquel Barceló, titulado Miquel, que respondía a su admiración por el pintor mallorquín. Pero la obra que inauguró su técnica personal sería Maria, el retrato en monotipo de la hija de unos amigos. Este tipo de estampación produce obras únicas y originales, ya que no permite la impresión de múltiples ejemplares. En el caso de Lídia Masllorens, ella trabaja y estampa los papeles sobre superficies de plástico, de manera que aquello que hace las funciones de plancha queda inhabilitado tras su primer uso. Este método permite a la artista ser fiel a su manera de pintar: gestual, libre y en gran formato.

Web oficial:

https://www.lidiamasllorens.com/

Fundació Vila Casas

Espais Volart (Ausiàs Marc, 20)

Salas 1 y 2
Horario: de martes a sábado, de 11 a 14 horas y de 16.30 a 20. Domingo, de 11 a 14.
Precio: 5 €
Hasta el 15 de diciembre

https://www.fundaciovilacasas.com/es/obras/lidia-masllorens

https://www.fundaciovilacasas.com/es/exposicion/prueba-de-artista

Comprar catálogo:

https://shop.fundaciovilacasas.com/ca/producte/publicacions/catalegs-dartistes/lidia-masllorens-prova-dartista

Fuente

Artículo de Sonia Gutiérrez en: https://www.elperiodico.com/es/onbarcelona/mirar/20191024/lidia-masllorens-monotipia-gran-formato-fundacio-vila-casas-7694364

Montse M.

 

FIN DE SEMANA

LOS QUE VIVEN EN LONDRES O SUS ALREDEDORES O AQUELLOS QUE VIAJÉIS A LA CAPITAL INGLESA, PODRÉIS DISFRUTAR DE LAS OBRAS DE UNAS DE LAS MEJORES PINTORAS IMPRESIONISTAS BRITÁNICAS.

LA RELEVANCIA  DE LAURA KNIGHT EN LA PINTURA MODERNA

Laura knight fue una pintora inglesa nacida en 1977 en Long Eaton, una pequeña ciudad de Derbyshire al norte de Inglaterra. Considerada impresionista por sus cuadros de características idílicas, mas tarde pasó a pintar con un estilo fotográfico. Este cambio de estilos pictóricos la ha convertido en la precursora de la pintura moderna, inicianco la transición de la tradición pictórica victoriana al arte moderno. Sus cuadros plasman la vida tranquila de la población pesquera de Newlyn (Cornualles), la rutina de los bailarines de ballet y los artistas de circo, a las mujeres trabajando en fábricas durante la II Guerra Mundial, a los gitanos en su eterna existencia nómada… Era una exploradora de mundos que se dejaba empapar por cada situación vital para transportarla al lienzo.

Vida gitana

La National Portrait Gallery de Londres inauguró el 11 de julio la primera gran exposición de retratos realizados por la autora inglesa: una figura clave de la pintura británica del siglo XX y del impresionismo inglés y sin embargo olvidada o minimizada entre los grandes nombres habituales de las antologías de la historia del arte. La exposición reúne una excepcional colección de retratos por encargo y también de personajes en contextos y momentos históricos muy específicos, como el circo o la vida en el Reino Unido durante la II Guerra Mundial. Entre el conjunto de piezas que repasan la carrera de la autora está también su innovador autorretrato, del que se celebra este año el centenario de su creación. Se podrá visitar la exposición hasta el 13 de Octubre.

Autorretratos

En la obra se representa de espaldas y con el cuello doblado de tal manera que sólo se aprecia el perfil del rostro: la pintora da una importancia secundaria a su figura y se muestra en el proceso de retratar sobre el lienzo la anatomía de una modelo desnuda. El novedoso punto de vista permite al espectador observar también el lienzo con la  pintura inacabada. El cuadro reafirma el estatus de Knight como artista por derecho propio y es una respuesta a la prohibición de pintar desnudos del natural que sufrió durante sus años de estudiante por ser mujer.

Laura Johnson, criada en una familia con constantes problemas económicos, tuvo que ponerse a trabajar en la adolescendia para ganar dinero para mantenerse, después de la muerte temprana de sus padres. Con 13 años entró a la Escuela de Arte de Nottingham y fue la alumna más joven de la historia en ingresar en la institución. Abrirse camino como pintora no fue fácil y su boda con el también pintor Harold Knight fue crucial para que se la contemplara como algo más que una aficionada. El matrimonio se mudó a la comunidad artística de Newlyn (Cornualles) en 1903 y su nuevo hogar —que inspiró algunas de sus mejores obras— propició que cada vez se la tuviera más en cuenta por su talento que por su sexo. En este mismo año durante un viaje a Holanda queda particularmente inspirada por los cuadros de la Escuela de La Haya. Sus primeras obras de escenas domésticas, retratos y chicas en la playa de rocas con sus vestidos mecidos por el viento descubren a una pintora de óleos luminosos y a una pintora clave del impresionismo inglés.

Retratos

Ethel Bartlett

La bailarina rusa Lubov Tchenicheva

La negrita

Tras la I Guerra Mundial se mudaron a Londres, donde empezó a pintar personajes del mundo del espectáculo.

Hizo amistad con las primeras figuras del ballet clásico de la ciudad, pintándolas durante los ensayos, en los camerinos y entre bastidores.

En 1922 debido a una fractura de muñeca y a que no podría sostener la paleta, empezó a realizar grabados. Precisamente en esa época conoció a al dueño del famoso circo de Londres, Bertram Mills y al ilusionista e hipnotizador, el Gran Carmo. Y así empezó a captar la condición humana de los hombres y las mujeres que se jugaban la vida en cada uno de sus números. Una forma de fotografiar pictóricamente la esencia del circo.

Murió Nottingham en 1970.

Montse M.

 

FIN DE SEMANA

SOFONISBA ANGUISSOLA

«La vida está llena de sorpresas; intento capturar estos preciosos momentos con los ojos bien abiertos».

Primera pintora de éxito del Renacimiento italiano, una época de avance para la pintura, con la utilización de la perspectiva y con grandes pintores de la talla de Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel.

Retrato de familia

Sofonisba nació en 1532 y pertenecía a una familia de la baja nobleza de Cremona. Tuvo un hermano y cinco hermanas. Su educación fue humanista y practicaba música, pintura y literatura. Su hermana Lucía también fue pintora, pero falleció a los veinte años de edad, truncándose una prometedora carrera artística. Se conocen pocas de sus pinturas, sólo dos de ellas fueron firmadas. Un retrato de Pedro María, doctor de Cremona, llegó a ser apreciado por Vasari al visitar a la familia luego del fallecimiento de Lucía. El gran historiador del arte,  llegó a citarla en su libro “Vidas de los más sobresalientes arquitectos, escultores y pintores”.

Bernardino Campi pintando a Sofonisba

Sofonisba tuvo como primer maestro a Bernardino Campi. Como las jóvenes aprendices tenían prohibido practicar con modelos, Sofonisba retrataba a los miembros de su familia y pintaba autorretratos. El aprendizaje de Sofonisba con artistas locales sentó un precedente para que las mujeres fueran aceptadas como estudiantes de arte.

Niño mordido por un cangrejo

A los 21 años, luego de pasar unos tres años como aprendiz de Bernardino Gatti, viajó a Roma, donde fue instruida durante dos años por Miguel Ángel. Un día le pidió que pintara un niño llorando y  Sofonisba dibujó un Niño mordido por un cangrejo, esto hizo que el genial pintor reconociera el gran talento de su pupila. Le daba bosquejos de su cuaderno de notas para que ella los pintara con su estilo personal y le ofreció consejo sobre los resultados. Su fama hizo que el propio Papa Julio III le comprara uno de sus retratos.

El juego de ajedrez

Retrato de su hermano y dos de sus hermanas

Viajó también a otras ciudades como Mantua o Milán, donde contactó con el Duque de Alba, de quien pintó un retrato actualmente desaparecido, y quién le puso en contacto con el rey de España Felipe II. Con 27 años fue invitada a visitar la corte española.  Se quedó como dama de honor de la reina Isabel de Valois y desarrolló su labor como retratista de la familia real y la corte. Trabajó al lado del pintor Alonso Sánchez Coello. Ahora se ha sabido que uno de los famosos cuadros de Felipe II, que era atribuido al pintor español,  fue pintado por Sofonisba.

Felipe II

Isabel de Valois

Infantas

Tras la muerte de la reina, el rey arregla un matrimonio para Sofonisba y la casa con Don Francisco de Moncada y viven en Palermo hasta que el muere en 1579. Durante estos años vive alejada de la pintura.

Ana de Mendoza, la famosa Princesa de Éboli

En 1580, durante un viaje a su ciudad natal, conoce a Orazio Lomellini, el capitán del barco y mucho más joven que ella, con quién se casa. Su marido reconoció el talento de su esposa y la apoyó para que continuara su trabajo como artista. Marchan a vivir a una gran casa en Génova. Sofonisba tiene su propio estudio y todo el tiempo del mundo para dibujar y pintar, gracias tanto a la fortuna personal de su esposo, como la de ella. Muchos de sus colegas la visitaban para aprender de ella, entre ellos el mismísimo Antón Van Dyck, que le hizo varios retratos y manifestó una gran admiración por su obra. También la visitaron personas como la infanta Isabel Clara Eugenia. En los últimos tiempos padeció de cataratas. Su último retrato data del año 1620. Falleció en Palermo a la los 93 años de edad.

Uno de sus últimos autorretratos

Un total de 50 obras han sido atribuidas con seguridad a Sofonisba. Su obra ha tenido enorme influencia en artistas posteriores. Su retrato de la reina Isabel de Valois con una piel de marta cibelina fue el retrato más copiado en España. Entre estos copistas estaba Pedro Pablo Rubens. Sus cuadros están expuestos en Bérgamo, Budapest, Madrid (Museo del Prado), Milán (Pinacoteca de Brera), Nápoles, Siena y Florencia (Galería Uffizi).

Montse M.

 

FIN DE SEMANA

HA MUERTO EMMANUELLE

HA MUERTO SYLVIA KRISTEL, MITO ERÓTICO POR EXELENCIA, PERO TAMBIÉN UNA PINTORA DESCONOCIDA PARA EL PÚBLICO, QUE SÓLO PUDO VER DE ELLA SU BELLEZA EXTERIOR.

Mujer y pintora

La modelo, actriz, cantante y pintora Sylvia Kristel nació el 28 de septiembre en Utrecht, Los Países Bajos, hija de un campeón de tiro al plato, que junto a su esposa regentaba un hotel en dicha ciudad. Tenía una hermana tres años menor. Con 9 años, un cliente del hotel abusó de ella sexualmente.  A los 15 años sus padres se divorciaron, cuando el padre abandonó el hogar familiar para irse con otra mujer. Este episodio fue muy triste para la actriz. Educada en un convento, ella abandonó la rigidez de su crianza calvinista por Ámsterdam, donde trabajó de secretaria y mesonera antes de convertirse en modelo. Con 17 años comenzó a trabajar como modelo. Participó en el concurso Miss TV Europa en 1973 y lo ganó. Hablaba neerlandés, inglés, francés, alemán e italiano. Se hizo famosa en todo el mundo en 1974 cuando protagonizó la película erótica Emmanuelle, de la cual siguieron varias secuelas en cine y televisión. Este éxito la encasilló para siempre, a pesar de su trabajo en más de 50 películas internacionales. Después de ese éxito, trabajó con directores como Alain Robbe-Grillet, Claude Chabrol y Roger Vadim. Sus últimos trabajos incluyeron Aeropuerto 79, Concorde, The Nude Bomb (1980) y Clases particulares (1981). También protagonizó en 1981 una versión cinematográfica de la novela de D.H. Lawrence ‘El amante de Lady Chatterley’ y Mata Hari. Los guiones siempre exigían abundantes escenas de desnudo y acabó por cansarse. En 2001 Sylvia interpretó un pequeño papel en Perdóname, la película debut del polémico cineasta holandés Cyrus Frisch. Su última actuación fue en una producción de la televisión italiana en 2010 sobre un trío de cantantes holandesas que fueron populares en la época de entre guerras en Italia.

Vida privada

Su primera relación seria fue con Hugo Claus, un importante autor belga 27 años mayor que ella, con quien tuvo a su único hijo, Arthur, en1975. Ella le dejó por Ian McShane, diez años mayor y uno de los protagonistas de Carros de Fuego, con quién estuvo cinco años y durante la cual comenzó a tomar cocaína. Aceptó papeles muy malos para pagarse la droga y cerró un trato desastroso para sus finanzas: vendió los derechos de la película Clases particulares a su agente por 150.000 dólares. Estrenada en 1981, la cinta recaudó 26 millones de dólares y ella acabó riéndose del dinero perdido.

Con el declive de su carrera se refugió en el sur de Francia donde dedicó su tiempo a pintar, especialmente retratos de mujeres y rosas. Sylvia Kristel era una buena pintora aficionada que expuso en varias ocasiones, una faceta casi desconocida para el mundo que la había adorado. Es una lástima, pero no he podido encontrar ni una sola imagen de sus cuadros. También probó suerte al otro lado de la cámara. Dirigió un corto de animación muy alabado y titulado Topor y yo, sobre la obra del dibujante francés Roland Topor. En 2007 publicó su autobiografía, titulada Desnuda, con la que obtuvo muy buenas críticas. En su autobiografía admite haber sido adicta a las drogas y al alcohol. También le causó problemas sus tumultuosas relaciones con hombres mayores, en su búsqueda de una figura paterna.

Fumadora de cigarrillos sin filtro desde los once años de edad, en 2001 se le diagnosticó un cáncer de garganta, que tras varios tratamientos de quimioterapia se dio por curado. Años después el cáncer reapareció y se extendió al esófago y al pulmón.  Esta año preparaba su papel en la obra de Tim Firth ‘Chicas de calendario’, en un teatro de Amsterdam. El 12 de junio de 2012, sufrió un derrame cerebral y regresó a su hogar de Ámsterdam, bajo cuidados paliativos. Este miércoles murió mientras dormía, a la edad de 60 años.

En los últimos años fue muy feliz junto a Peter Brul, su última pareja.

Fuentes:

http://www.europapress.es/cultura/cine-00128/noticia-muere-sylvia-kristel-protagonista-emmanuelle-20121018174436.html

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/10/18/actualidad/1350554726_329019.html

http://www.bbc.co.uk/mundo/ultimas_noticias/2012/10/121018_ultnot_sylvia_kristel_emmanuelle_fallece_jmp.shtml

http://www.lavanguardia.com/gente/20121018/54353187208/sylvia-kristel.html

Montse M.

 

FIN DE SEMANA. ARTE: PINTURA

ARTE GÓTICO

Retablo de la Virgen de Montserrat, de Bartolomé Bermejo

Hoy en día tenemos un concepto de gótico que representa lo oscuro, sabemos de los llamados góticos, con sus vestimentas negras, rodeados de misterio, y ambiente de terror y atmósfera sobrenatural. Pues bien el arte gótico es todo lo contrarío, es luz, color e inmensidad. Nació en la arquitectura con grandes y altas catedrales llenas de ventanales y vidrieras para permitir la entrada de luz, de Dios, en su interior y en el nuestro. Esto también se pudo ver la escultura, por supuesto, en representaciones de imaginería cristiana. Aparece sobre el año 1200, al final de la Edad Media, dejando atrás un periodo oscuro y de decadencia. 50 años después se aprecia en la pintura. El realismo, el colorido y el interés por la naturaleza son los protagonistas de este nuevo género pictórico. Hay un acercamiento de lo religioso hacia el plano humano, dando a los personajes rasgos de emoción.

Coronación de la Virgen, de Gentile da Fabriano

De la escena plana pasamos a la perspectiva y a la tridimensionalidad. También hay cambios en los tipos de soporte donde realizar las obras. Nuevos pigmentos y aglutinantes logran la aparición de bellos y vistosos colores.

Mare de Deu dels Consellers, del valenciano Luis Dalmau

Se sigue realizando la pintura mural o frescos, en las paredes de las iglesias, sobre todo en el Sur de Europa. En el norte, mediante la construcción de inmensas catedrales, las vidrieras se convierten en el soporte principal para conseguir maravillosas obras de arte. La pintura sobre tabla (retablos) se convierte en la más usada por los pintores de la época. Se siguen realizando miniaturas y manuscritos, pero ahora llenos de luz y color.

En esta época hace su aparición la pintura al óleo sobre lienzo y la pintura al temple, que sería el punto de partida para el arte renacentista.

Presentación de Cristo en el Templo, de Hans Holbein el Viejo

Este despertar a la luz coincidió con una época de gran desarrollo económico y cultural. El fin de la época feudal empezó a abrir la sociedad el acceso a la cultura, hasta entonces predominio exclusivo de la Iglesia. El auge de las universidades comportó un aumento de los estudios científicos, filosóficos y literarios, sentando las bases de la cultura moderna.

Se desarrollaron cuatro estilos pictóricos:

Gótico lineal o franco-gótico: s. XIII-XIV, dibujo lineal, intensidad cromática, naturalismo de líneas sencillas y temas idealizados. Se desarrolló sobre todo en vidrieras y miniaturas.

El bautismo, vidriera de la Santa Capilla de París

Manuscrito

Fresco de la Capilla de San Martín, de Antón Sánchez de Segovia

Gótico itálico o trecentista: s. XIII en Italia, representación de la profundidad y el inicio de la  perspectiva. El estudio de la anatomía y el análisis de la luz, para matizar los tonos. Destacan dos escuelas: la florentina con la mayor realidad de las formas, los paisajes y la introducción de la tridimensionalidad; y la sienesa con influencias bizantinas.

Juicio Final, detalle. Pietro Cavallini

Escuela florentina

El beso de Judas de Giotto (introductor de la tridimencionalildad)

María Magdalena, detalle. Simone Martini

Gótico internacional: finales s. XIV-primera mitad s. XV. Fusión de los dos estilos anteriores. Predomina la estilización de la figura y la línea curva, el detalle técnico y el naturalismo simbólico de la narración.

Manuscrito de los Hermanos Herman, Paul y Johan Limbourg

Parte central del tríptico del altrar de la Catedral de Colonia, de Stefan Lochner

Sant Jordi del catalán Bernat Martorell

Gótico flamenco: s. XV en Flandes. Su principal aportación es la técnica al óleo, que da colores más brillantes, más gama cromática y permite mayor minuciosidad en los detalles.

Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa, de Jan van Eyck

(se le atribuye la invención de la pintura al óleo)

El descendimiento, de Rogier van der Weyden

El Jardín de las Delicias, de el Bosco (un pintor surrealista en la Edad Media)

Montse M.

 

FIN DE SEMANA: PINTURA

CATERINA VAN HEMESSEN

Autorretrato

Pintora de la escuela flamenca especializada en miniaturas y retratos, hija del pintor manierista Jan Sanders van Hemessen.

Nacida en Amberes, Bélgica, en 1528, aprendió la técnica en el taller de su padre. En 1540 fue acojida bajo la protección de la Reina María de Hungría, regente de los Países Bajos, trabajando en la corte realizando retratos en miniatura de importantes cortesanos y obras de temática, influenciada por su padre. La Reina admira y aprecia el talento de la joven pintora. Después de su boda a los 26 años con el organista de la Catedral de Amberes deja su trabajo como pintora. Cuando la Reina María marcha a España se hace acompañar por la pareja, que estuvieron con ella hasta su muerte, recibiendo como herencia una elevada pensión para el resto de sus vidas.

Retrato de su hermana

Su pintura es realista. Las personas de sus obras están contra un fondo oscuro y no miran al espectador. Se cree que “Retrato de una dama” y “Retrato de un hombre”, pueden ser retratos de ella y su marido. En su Autoretrato se la ve con sus elementos de trabajo preparada para pintar. Fue la primera artista que se autorretrató pintando. Es nombrada en dos libros “Descripción de los países bajos”, de Francesco Guicciardini y en “Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos” de Giorgio Vasari.

Retrato de una dama

Hay diez trabajos firmados y fechados por la artista, de ellos, seis retratos, un autorretrato y pinturas religiosas basadas en hechos históricos, con grandes grupos de figuras. Sus obras pueden verse en la National Gallery de Londres, en el Rijksmuseum de Ámsterdam y su autorretrato en el Öffentliche Kunstsammlung de Basilea, Suiza. Se atribuyen a Caterina las nueve pinturas de la parte central y la predella del Retablo de Tendilla, originario del Monasterio Jerónimo de Santa Ana y actualmente expuesto en el Cincinatti Art Museum (EEUU). Este retablo fue realizado por cuatro pintores del taller de Jan van Hemessen y  se distingue la mano y el estilo de su hija Caterina.

Aquí se puede apreciar su firma

Caterina murió de causas naturales a los 60 años, en Amberes, 1587.

Retrato de su herman Cristina

Fuente: http://mujerespintoras.blogspot.com.es/

Montse M.

 

DOMINGO: EL ARTE DE LA PINTURA Y SUS ARTISTAS, HOMBRES Y MUJERES

La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre arte de la edad media y el arte barroco. Representa el«renacimiento» de la antigüedad clásica, el humanismo, nuevas técnicas artísticas y, en general. Los clientes de los artistas son la nobleza terrateniente, la monarquía y el más importante la iglesia, por tanto hay un predominio de pinturas religiosas, dejando de lado la mitología y las imágenes profanas, con pocas excepciones.

Levina Teerlinc (1510 a 1520-1576)

En el siglo XVI encontramos una pintora miniaturista de quien existe bastante documentación, sin embargo no han sobrevivido miniaturas firmadas por ella, sólo algunas obras de cuya autoría no se tiene completa certeza. En aquella época la corte inglesa requería de pintores miniaturistas.

 

An Elizabethan Maundy, miniatura de Levina Teerlinc, 1560

Levina Teerlinc, nació en Brujas, capital de Flandes. Provenía de una familia de artistas, su padre y su abuelo fueron miniaturistas y su hermana era marchante de arte. Su padre, Simon Bening, le dio los primeros conocimientos en pintura. Después de casada recibe la invitación del rey Enrique VIII en 1545 para trabajar en la corte, donde se quedaría hasta su muerte, el 23 de junio de 1576. Cada Día de Año Nuevo presentaba un retrato de la reina Isabel I. Levina escribía palabras alrededor del borde de sus miniaturas, un detalle que no se veía en otros artistas y fue de las primeras en utilizar la forma ovalada. Además de retratos individuales, algunas de sus miniaturas muestran grupos de personas, algo inusual. Su arte estaba muy valorado y muy bien pagado, en aquel tiempo era una mujer que cobraba lo que ganaban dos de los artistas más requeridos de la época, juntos.

Retrato de la princesa Isabel de Inglaterra,
1546, atribuido a Levina Teerlinc

En el año 1983 se realizó una exposición en el Victoria and Albert Museum, donde por primera vez se agruparon las 5 miniaturas que podrían ser atribuidas a Levina Teerling y dos manuscritos ilustrados.

Montse. M.

 

DOMINGO: EL ARTE DE LA PINTURA Y SUS ARTISTAS, HOMBRES Y MUJERES

HOY EMPEZAMOS UNA SECCIÓN NUEVA SOBRE PINTURA Y ARTISTAS EN LA HISTORIA. LA IREMOS ALTERNANDO CON LA DE ESCRITURA. HABLAREMOS TANTO DE HOMBRES COMO MUJERES, QUE UTILIZABAN EL ARTE PARA EXPRESARSE. CONOCEMOS EL NOMBRE DE MUCHOS PINTORES, PERO DESCONOCEMOS LAS OBRAS DE MUJERES PINTORAS. EN LOS ÚLTIMOS AÑOS SE HAN ESCRITO VARIOS LIBROS SOBRE ESTE TEMA. ¡LAS MUJERES TAMBIÉN SOMOS ARTISTA!

MUJERES ARTISTAS EN LA EDAD MEDIA

                Hay pocos nombres de mujeres pintoras de esta época  y casi todas eran monjas que empleaba su arte en ilustrar libros, códices o en decorar iglesias. La educación y el arte estaba permitido sólo para las religiosas y algunas de sus obras o trabajos han llegado hasta nuestros días. Podemos afirmar, sin miedo a equivocarnos, que muchas obras supuestamente pintadas por hombres, ocultaban una mano femenina en su realización.

                Todo el arte del Medioevo está relacionado con imágenes religiosas, buscando la belleza figurativa basada en formas geométricas rompiendo con la herencia de la antigüedad clásica, una belleza de concepto ligada directamente a la obra y lo que ésta simboliza. Hay poca preocupación por la imitación de la realidad y las obras, en especial la pintura, poseen un marcado geometrismo y esquematización. Nos muestra una idea o un concepto basado en símbolos, La obra tiene que dar un mensaje, un código de actuación, es decir, una Biblia, difundir los textos sagrados y exponer el sentido moral y dogmático de la religión cristiana, en el que importa más el sentido trascendente de la figuración que sus cualidades plásticas. El arte se entendía como abstracción y manifestación de belleza divina, donde los rasgos no están del todo definidos. Murales encargados para embellecer el templo y su simbolismo que era en parte la Esta pintura no tiene ninguna sugerencia de tridimensionalidad, es plana, sin perspectiva y sin profundidad. Se utiliza la técnica del fresco. En esta obra la belleza sensible cambia con respecto a la griega que era una búsqueda de los elementos naturalistas, en el arte románico se buscaba una combinación de la belleza sensible con la belleza intelectual descubriendo lo que se oculta tras el símbolo.

Guda, Ende y Diemoth (Diemudus), de las que sólo hay información en inglés y sin muestra de su obra.

Claricia de Augsburgo, miniaturista.

 La letra Q, donde se tomó la licencia de dibujar su autoretrato

Abadesa Hitda, miniaturista.

 Presentación en el Templo

Herrada von Landsberg, monja y abadesa.

 Muestra de una manuscrito

Hildegarda de Bingen, abadesa, médica, compositora y escritora.

 Imagen de Hildegarda de Bingen

El hombre Universal

Y sorpresa, sorpresa…
Teresa Dieç, la única española,  zamorana que se especializó en pintura mural.

 Mural de la Iglesia de Santa Clara del Toro, Zamora.

Montse M.